Gramòfonodigital

John Frusciante - Discografia

>> sábado 28 de noviembre de 2009

John Frusciante - Discografía (1994-2009)

A muchos nos gustan los proyectos alternos que tienen musicos que no precisamente son los frontman de sus bandas. Y este es el caso de John Frusciante, guitarrista de los Red Hot Chili Peppers. Cuenta a la fecha con 10 albums y 3 Ep, además de dos discos con su proyecto Ataxia. Echate un clavado a su discografía la cual hemos subido de forma cronológica.

(En el título de cada disco encontrarás el link correspondiente para su descarga

Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt (1994)

Niandra Lades

Usually Just a T-Shirt

La primera mitad del disco (Niandra Lades) fue escrito en 1992 durante la grabación de Blood Sugar Sex Magic y antes de su salida de los RHCP debido a su fuerte adicción a la heroína y otros estupefacientes. Sus amigos (Johnny Depp y Perry Farrel, entre otros) lo motivaron a terminarlo. Como dato curioso, el fallecido actor River Phoenix colaboró en dos canciones tocando guitarra y haciendo coros, pero éstas no fueron incluidas en el trabajo final. Es un trabajo muy instrospectivo y su estilo se encuentra entre lo experimental y psicodélico.

Smile from the Streets You Hold (1997)

Para este disco, John Frusciante aun era adicto. Contiene algunos extras no incluidos en Niandra Lades..., entre ellas las canciones grabadas por su amigo River Phoenix las cuales fueron retiradas a petición de la familia de éste, a proposito de su reciente muerte ocurrida en 1993.

Después de su regreso a los RHCP, solicitó que este disco y Niandra Lades... fueran removidos del mercado debido a que fueron lanzados para poder costear su adicción. Smiles from the Streets You Hold fue relanzado con algunas diferencias en el tracklist original. En la versión anterior se puede escuchar a John dandole un llegue a un bong en la canción "For Air". John decía tener conversaciones con espiritus los cuales le inspiraron a componer y dar titulo a estas canciones.

Estrus EP (1997)

El nombre que da título a este EP (primero de tres lanzados hasta ahora por John) proviene de la última canción de Smile from the Streets You Hold llamada Estress. Outside Space fue originalmente grabada para su album debut Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt. Un pequeño sample puede escucharse en los últimos diez minutos de Mascara del mismo disco.

To Record Only Water for Ten Days (2001)

Para este disco podemos escuchar una gran diferencia comparado con sus antecesores, ya que de pasar de algo rudimentario y acústico su sonido se instaló en experimentar con lo electrónico, el new wave y el synthpop. Escribió este disco después de haber salido de rehabilitación y en la gira que realizó con RHCP para la promoción de Californication.

El director Vincent Gallo hizo un video para cada canción de este material y la rola "Murderers" fue utilizada para musicalizar el segmento "Invisible Boards" del video casero Yeah Right! de Spike Jonze.

Going Inside EP (2001)

Going Inside es el segundo EP que John Frusciante realiza después de Estrus. Contiene lados b de las grabaciones realizadas en To Record Only Water for Ten Days.

From the Sounds Inside (2001)

Éste disco fue lanzado de igual manera en el 2001 pero solo de forma exclusiva en internet. Muchas de las canciones de este album fueron realizadas durante la grabación de To Record Only Water for Ten Days. Algunas de ellas no mezcladas o sin terminar. Los nombres de ciertas canciones en un principio no tenían titulo. Sobre la marcha se les fue asignando nombre (algunas son nombradas de forma distinta).

Shadows Collide with People (2004)

El trabajo fue realizado durante la época del By The Way y es considerado el más accesible musicalmente hablando. Sigue mantiendo la electrónica pero ahora mezclando un poco de rock alternativo y baladas folk. Esta es la primera vez que colabora Josh Klinghoffer dentro de un disco de John Frusciante. Con él, más adelante formaría el proyecto Ataxia con quien grabó dos tapas. Además de Klinghoffer, participan Flea, Chat Smith y Omar Rodriguez – López de The Mars Volta.

John tambien a colaborado en discos de The Mars Volta como De-Loused in the Comatorium, Frances the Mute y ayudó a completar su tercer disco titulado Amputechture tocando la guitarra en siete de las ocho canciones que contiene. En agradecimiento, Rodriguez-Lopez ha colaborado en los siguientes albums de Frusciante así como haciendo una aparición en el Stadium Arcadium de RHCP en el 2006.

The Will to Death (2004)

The Will to Death es el primero de seis discos que John decidió sacar tan solo en seis meses, entre 2004 y 2005. Después del largo y costoso trabajo con su placa anterior, decidió mejor darle por el lado del minimalismo no solo en la composición sino tambien en la grabación. Las rolas fueron hechas en una o dos tomas a lo mucho y lo ve como un completo constraste en comparación a Shadows Collide with People. Josh Klinghoffer colabora de nuevo con él.

Ataxia - Automatic Writing (2004)

Las intervenciones de Klinghoffer y la adición de Joe Lally de Fugazi dieron como resultado otro proyecto para John Frusciante: Ataxia. En dos semanas grabaron aproximadamente 80 minutos de material, pero solo para este album se incluyeron 5 canciones. El estilo de esta agrupación que solo duro lo que se grabó el disco más dos presentaciones que hicieron, cae en la línea de lo experimental, algo ya muy bien manejado por Frusciante.

DC EP (2004)

Tercero de la serie ya antes mencionada. Fue producido por Ian MacKaye de Fugazi y Minor Threat. Para no ser la excepción, este EP de cuatro canciones contiene letras oscuras e introspectivas, muy características de John. Poco a poco uno puede darse cuenta del impacto que su estilo tiene en la composición de los RHCP.

Inside of Emptiness (2004)

En este material colaboran de nuevo Omar Rodríguez – López y Josh Klinghoffer. El estilo o genero es mas cercano a las bases del rock. Rodríguez – López es gutarra principal en "666" y Klinghoffer trabaja las percusiones. Los sintetizadores tambien son utilizados pero en menor rango.

A Sphere in the Heart of Silence (2004)

A Sphere in the Heart of Silence es firmado como John Frusciante and Josh Klinghoffer y vuelve a meterse al lado electrónico. Los dos cantan las rolas. En "Afterglow", "Walls" y "My Life" lo hace Frusciante, comparte vocales con Josh en "Surrogate People" y "Walls" y éste ultimo canta la voz principal en "Communique" y "At Your Enemies".

Curtains (2005)

JohnFrusciante-Curtains2005small.jpg image by fantasmavelez

Con Curtains cierra la serie de seis discos antes descritos. Su sonido se enfoca más a las guitarras acústicas a diferencia de A Sphere in the Heart of Silence. Carla Azar de Autolux toca la batería y Omar Rodriguez – López vuelve a aparecer en guitarra. Los demás instrumentos son ejecutados por Johnny como la melódica, piano y melotrón.

Ataxia - AWII

Ésta es la segunda parte de las grabaciones realizadas en el 2004 con John Frusciante, Josh Klinghoffer y Joe Lally.

The Empyrean (2009)

Nunca es tarde para escuchar y hablar de música. Me refiero a que de The Empyrean de John Frusciante vió la luz a los primeros 20 días de éste año (ya un buen rato si pensamos que faltan tan solo dos meses para que el 2009 termine).

Y bien. Tal vez algunos no sabíamos que Frusciante, además de ser guitarrista de una de las bandas más emblemáticas de los últimos tiempos (RHCP), tambien tiene una carrera en solitario muy independiente del jale y estilo de su banda.

Tan independiente que éste es su decimo material discográfico. Así es ¡el decimo!.

Ha pasado de experimentar grabando en cassettes de una manera muy rudimentaria (considerando que las fallas y canciones sacadas en muy pocas tomas, o incluso en una, suenan mucho mejor según él) y con muy pocos recursos e instrumentos, a utilizar más de ellos (la mayoría tocados por el mismo) y meter mucho de electronico. De hecho su rollo está más enfocado a lo experimental y new wave.

John trae influencias variadas que podemos escuchar tanto en sus grabaciones con los RHCP como en las que ha hecho como solista. Jimmy Hendrix, Ledbelly, Joe Strummer de The Clash, Eddie Van Halen, Bernard Sumner de Joy Division, Kraftwerk y Velvet Underground, por mencionar algunos. En su momento (sobre todo en su época de fuerte adicción a la heroína) fue comparado con Syd Barret en sus años siguientes a la salida de Pink Floyd, su trabajo en solitario y sus problemas de emocionales relacionados con las drogas.

Básicamente su discografía te lleva por esos pasajes: de pasar a admirar lo que las drogas “engrandecían” su manera de componer, el no soportar ser miembro de una banda que subía su popularidad como la espuma, su encuentro con la muerte y la decadencia, hasta los efectos de la rehabilitación, la practica de yoga y la meditación.

The Empyrean fuen grabado entre 2006 y 2008 y está lleno de metaforas dignas de su ascetismo. Incluso el mismo Frusciante recomienda a manera general escuchar primero la música antes que las letras y dejar de preocuparse un poco por lo que quiere decir cierta canción, dandole lugar a la interpretación personal que podamos darle y que no muchas veces quiere decir lo que pensamos, cosa que no le importa mucho a éste hombre en realidad.

Éste disco definitivamente es una experiencia y palabras de John Frusciante lo explican: “The Empyrean is a story that has no action in the physical world. It all takes place in one persons mind throughout his life. The only other character is someone who does not live in the physical world but is inside it, in the sense that he exists in peoples minds. The mind is the only place that anything can be truly said to exist. The outside world is only known to us as it appears within us by the testament of our senses. The imagination is the most real world that we know because we each know it first hand. Seeing our ideas take form is like being able to see the sun come into being. We have no equivelent to the purity of that in our account of the outside world. The outer world appears to each of us as one thing and it is always also a multitude of others. Inside to outside and outside to inside are neverending. Trying and giving up are a form of breathing”.

Cuenta con colabaciones de Flea, el ex – guitarrista de The Smiths Johnny Marr y Josh Klinghoffer (con quien ha colaborado en proyectos alternos como Ataxia).

Phoenix - Wolfgang Amadeus Phoenix (remix collection)

Phoenix - Wolfgang amadeus phoenix remix collection

Tracklist:

1.Lisztomania (Alex Metric Remix)
2.Fences (The Soft Pack Remix)
3.1901 Bo Flex'd (Passion Pit Remix)
4.Lasso (2 Door Cinema Club Remix)
5.Fences (25 Hrs a Day Remix)
6. 1901 (L'aiglon Remix)
7.Love Like a Sunset (Turzi Remix)
8.Fences (Boombass Remix)
9.Lisztomania (A Fight For Love - 25 Hrs A Day Remix)
10.Fences (Friendly Fires Remix)"
11.Armistice (YACHT Remix)
12.Girlfriend (Young Fathers Remix)
13.Fences (Chairlift Remix)
14.Rome (Neighbours with Devendra Banhart Remix)
15.Love Like a Sunset (Animal Collective Remix - Deakin's Jam)

Blur - All The People (2009)

>> jueves 26 de noviembre de 2009

Blur - All The People

Tracklist:

CD 1:
01. She's So High
02. Girls & Boys
03. Tracy Jacks
04. There's No Other Way
05. Jubilee
06. Badhead
07. Beetlebum
08. Out Of Time
09. Trimm Trabb
10. Coffee & TV
11. Tender

CD 2:
01. Country House
02. Oily Water
03. Chemical World
04. Sunday Sunday
05. Parklife
06. End Of A Century
07. To The End
08. This Is A Low
09. Popscene
10. Advert
11. Song 2
12. Death Of A Party
13. For Tomorrow
14. The Universal

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Bad Lieutenant - Never Cry Another Tear (2009)

Bad Lieutenant - Never Cry Another Tear

tracklist
01.Sink Or Swim [04:12]
02.Twist Of Fate [04:10]
03.Summer Days On Holiday [05:07]
04.This Is Home [04:41]
05.Running Out Of Luck [05:02]
06.Dynamo [04:25]
07.Poisonous Intent [04:42]
08.These Changes [04:34]
09.Walk On Silver Water [05:00]
10.Shine Like The Sun [04:19]
11.Runaway [04:19]
12.Head Into Tomorrow [04:34]
13.Falling Trees (Bonus Track) [03:32]
14.Split The Atom (Bonus Track) [04:07]

The Bravery - Stir The Blood (2009)

The Bravery - Stir The Blood

tracklist
1. "Adored" – 3:42
2. "Song For Jacob" – 3:23
3. "Slow Poison" – 3:31
4. "Hatefuck" – 2:55
5. "I Am Your Skin" – 3:01
6. "She's So Bendable" (M. Hindert) – 2:21
7. "The Spectator" – 3:50
8. "I Have Seen The Future" – 3:15
9. "Red Hands and White Knuckles" – 3:21
10. "Jack-O-Lantern Man" – 2:50
11. "Sugar Pill" – 3:17

Broadcast - Mother is the Milky Way Tour EP (2009)

>> miércoles 25 de noviembre de 2009

Broadcast - Mother is the Milky Way Tour EP

Género: Indie/Experimental

Tracklist:

01. Creation day the travel flute way
02. In here the world begins
03. Elegant elephant
04. Through the gates of yesterday
05. Milling around the village
06. The aphid sleeps
07. Growing backwards
08. I’m just a person in this roomy verse
09. Never trust a rusty bolt
10. Innocence in orbit
11. Mother’s milk means music (at home in the universe)

Micah P Hinson - Discografia

Micah P. Hinson nació en el seno de una estricta familia con férreas convicciones religiosas en Memphis, ciudad donde vivió hasta que se trasladaron a Abilene (Texas) cuando Hinson era un adolescente.^[2] En esta ciudad daría sus primeros pasos en la música y viviría una relación sentimental con una ex modelo y viuda del guitarrista de un grupo local llamado Tripping Daisy que era varios años mayor que él. La «viuda negra», como más tarde la calificaría Hinson, le introdujo en el consumo de valium y otras drogas, llegando a pasar una temporada en la cárcel en la primavera de 2000 acusado de falsificar recetas de medicamentos. Hinson declararía recordando esa época: «Terminé por perder mi coche, mi hogar, todo mi dinero, mis instrumentos, mi equipo de grabación, y principalmente, a mi familia entera».^[3]

Al salir de la cárcel con 19 años, fue expulsado de su casa por sus padres, viéndose forzado a declararse en bancarrota y a vivir como un vagabundo durmiendo en las casas de sus amigos. Más tarde conseguiría un empleo de telemarketing y se mudaría a un motel, en el que utilizando instrumentos prestados, compuso alrededor de 30 canciones que más tarde incluiría en sus primeros discos.

En el invierno de 2003 trabajaría con sus antiguas canciones junto al grupo texano The Earlies y tras mudarse a Austin, donde vivía desempleado junto a una mujer que le mantenía, una de las maquetas de su canción The Posibilities llegó a la BBC por medio de su amigo John Mark Lapham de The Earlies, quien en esos momentos trabajaba como disc-jockey en Manchester. Tras escuchar el trabajo de Hinson, el sello de Glasgow Scetch Book Records le ofreció grabar su primer disco, que llevaría por título Micah P. Hinson and the Gospel of Progress.

All Dressed Up and Smelling of Strangers (2009)

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Tegan and Sara - Discografia

Tegan y Sara nacieron en Calgary, Alberta. Comenzaron a tocar bajo el nombre de PLUNK y no tenían batería ni bajo. En 1997 empezaron a utilizar el estudio del colegio para grabar dos demos: Who's in Your Band? y Play Day. En 1998, ganaron la Garage Warz Battle of the Bands, una competición local en Calgary. Desde entonces, las dos han estado de gira con Neil Young, Rufus Wainwright, Kaki King, The Pretenders, Ben Folds, The Killers, Rachael Cantu, Vivek Shraya, Cake, Gogol Bordello, Hot Hot Heat, Ryan Adams, Veda Hille, Little Birdy, Iron On, Little Brazil y Weezer y dieron un concierto en el Lilith Fair de Sarah McLachlan. Firmaron un contrato con Vapor Records en Canadá y con Sire en Estados Unidos ya que su anterior casa discográfica, Sanctuary Records, no saca nueva música en Estados Unidos. En la actualidad Tegan vive en Vancouver y Sara en Montreal

Cuando competían en la Garage Warz, se hacían llamar "Sara and Tegan" porque así fue como su madre las registro en la competición. Su primer álbum, Under Feet Like Ours, fue puesto a la venta inicialmente bajo el nombre "Sara and Tegan". Esas copias son ahora rarezas codiciadas por los fans.

Cada gemela canta normalmente las canciones que escribe. No suelen cantar juntas en sus primeros álbumes, sin embargo, sí lo hacen en los últimos y en los conciertos.

Su quinto álbum, The Con, fue puesto a la venta el 24 de julio del 2007. Fue coproducido por Chris Walla de Death Cab for Cutie. Jason McGerr de Death Cab for Cutie, Matt Sharp de The Rentals, Hunter Burgan de AFI y Kaki King colaboran en el álbum.

Aunque su sexualidad no suele ser el tema de sus canciones, el hecho de que ambas sean lesbianas ha llamado la atención a la prensa.

UNDER FEET LIKE OURS (1999)

01 - Divided
02 - Our Trees
03 - Come On
04 - Freedom
05 - Proud
06 - More for Me
07 - Hype
08 - Clever Meals
09 - This Is Everything
10 - Heavy
11 - Welcome Home
12 - Superstar
13 - Say 'Bye'

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THIS BUSINESS OF ART (2000)

01 - The First
02 - Proud
03 - Frozen
04 - Hype
05 - My Number
06 - All You Got
07 - Freedom
08 - Not With You
09 - More For Me
10 - Come On
11 - Superstar

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IF IT WAS YOU (2002)

01 - Time Running
02 - You Went Away
03 - Monday Monday Monday
04 - City Girl
05 - Not Tonight
06 - Underwater
07 - I Hear Noises
08 - Living Room
09 - Terrible Storm
10 - And Darling
11 - Want To Be Bad
12 - Don't Confess

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SO JEALOUS (2004)

01 - You Wouldn't Like Me
02 - Take Me Anywhere
03 - I Bet It Stung
04 - I Know I Know I Know
05 -Where Does The Good Go
06 - Downtown
07 - I Won't Be Left
08 - Walking With A Ghost
09 - So Jealous
10 - Speak Slow
11 - Wake Up Exhausted
12 - We Didn't Do It
13 - Fix You Up
14 - I Can't Take It

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THE CON (2007)

01 - I Was Married
02 - Relief Next to Me
03 - The Con
04 - Knife Going In
05 - Are You Ten Years Ago
06 - Back in Your Head
07 - Hop a Plane
08 - Soil, Soil
09 - Burn Your Life Down
10 - Nineteen
11 - Floorplan
12 - Like O, Like H
13 - Dark Come Soon
14 - Call It Off

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LIVE SESSION (iTunes Exclusive) - EP

01 - The Con (Live)
02 - Nineteen (Live)
03 - Back In Your Head (Live)
04 - Burn Your Life Down (Live)
05 - Where Does The Good Go (Live)

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SAINTHOOD (2009)

01 - Arrow
02 - Don't Rush
03 - Hell
04 - On Directing
05 - Red Belt
06 - The Cure
07 - Northshore
08 - Night Watch
09 - Alligator
10 - Paperback Head
11 - The Ocean
12 - Sentimental Tune
13 - Someday

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Massive Attack - Discografia

>> lunes 23 de noviembre de 2009

avatar_massive.jpg image by juanchob04

Massive Attack nació fruto de una comunidad artística denominada The Wild Bunch. El grupo lo forman entonces Andrew "Mushroom" Vowles y Grant "Daddy G" Marshall que incorporan a 3D (Robert del Naja) un artista grafitero. Otro miembro inicial que deja el grupo antes de grabar el primer single es Nellee Hooper, que se une a otro proyecto conocido, Soul II Soul. Graban su primer single en 1990 "Daydreaming," con la colaboración de otro miembro del Wild Bunch, Tricky. En ese momento se da a conocer su vocalista Shara Nelson. Los siguientes singles son "Unfinished Sympathy" y "Safe From Harm". En 1991 editan su primer álbum, Blue Lines.Con un pobre éxito comercial en su momento y un gran éxito de crítica, posteriormente este disco se transformaría en uno de los discos más influyentes de la industria británica de los noventa, inspirando otros proyectos como Portishead y Morcheeba. Blue Lines se clasifició en un nuevo género musical conocido como “Sonido Bristol”, al cual la prensa llamaría trip-hop.

Durante la primera guerra del golfo, los medios británicos evitaron utilizar términos que recordaran la guerra y la violencia, y Massive Attack (en aquel entonces luchando por posicionarse en la escena) se vieron forzados a cambiar temporalmente su nombre solamente a Massive por consejo del por su entonces mánager. Robert Del Naja, estaba abiertamente en contra de la intervención militar de Estados Unidos en el tercer mundo en nombre de la democracia y hasta el día de hoy sigue arrepintiéndose de haber accedido a este cambio de nombre.

Tras una ruinosa y fracasada gira por EE.UU, Shara Nelson deja la banda y comienza su carrera en solitario.

En 1994 Massive Attack lanza su segunda producción llamada Protection. Figurando dos arreglos instrumentales de Craig Armstrong, este álbum presenta un sonido más elaborado y profundo que su primer trabajo, marcando la última colaboración de Tricky, miembro de la agrupación Wild Bunch, quien comienza su carrera como solista (Maxinquaye). Dentro de este disco destaca el single Protection, que contó con la voz de Tracey Thorn del dúo Everything But The Girl, cuyo vídeo destacó por el trabajo visual del director francés Michel Gondry. Otros singles son "Karmacoma" y "Sly". Posteriormente, en 1995, se editó un álbum remezclado por Mad Professor y titulado "No Protection", que presenta remezclas de las canciones del anterior disco.

Durante los siguientes años el grupo se dedica a remezclas, una larguísima gira y colaboraciones varias (Garbage, Madonna, etc.). Por fín en 1997 y previo a su aparición en el festival de Glastonbury, publican el EP "Risingson". También en 1997, el grupo registró un nuevo título "Superpredators", una versión de la canción "Metal Postcard" de Siouxsie and the Banshees para la música de la película "The Jackal".

El tercer álbum de Massive Attack, Mezzanine fue editado en 1998, mostrando a la banda trasladándose a terrenos musicales oscuros, y dominados por el sonido de guitarras eléctricas distorsionadas, siendo, en la voz de críticos y fanáticos, una significante evolución. El disco cuenta con la colaboración de Horace Andy, que lo convierte en el único colaborador en sus tres discos. Otra colaboración es la de Elizabeth Fraser de los "Cocteau Twins" y la recién llegada Sara Jay. Mezzanine se convirtió en un disco de culto entre críticos y clubs. Se publicaron singles como "Teardrop" e "Inertia Creeps." Durante una gira por EEUU y Europa, Volwes deja el grupo por "desacuerdo artístico" con el rumbo del grupo. Daddy G y 3D siguen en la brecha pero Mushroom se retira por "agotamiento" y para estar con su familia.

Un cuarto álbum, 100th Window, fue editado el 10 de febrero del 2003 entrando directamente entre los 10 más vendidos del Reino Unido. Ese mismo mes, Del Naja fue acusado de posesión de drogas. Aunque algunos críticos no sitúan al álbum 100th Window a la par de sus obras precedentes, muchos valoran la condensación de un sonido que merece ser tomado en cuenta. El disco cuenta con la colaboración en la voz y las letras de Horace Andy y Sinéad O'Connor. Sus singles son "Special Cases" y "Butterfly Caught".

Su siguiente álbum Danny The Dog, es el Soundtrack de la película de artes marciales Unleashed, escrita por Luc Besson y dirigida por Louis Leterrier, temas que se alejan de los trapecismos sonoros de Massive Attack; donde se dejan sentir con facilidad temas como “Simple Rules” o “I Am Home”. La canción “Right Way to Hold a Spoon” se convierte, desde la primera escucha, en uno de los momentos de mayor intensidad del álbum. El disco está lleno de sorpresas, “Two Rocks & a Cup of Water”, que se inicia con el agónico vaivén de las agujas de un reloj, y que es, junto a “Sam”, un buen ejemplo del misticismo tétrico que impregna las canciones de Massive Attack. La pieza que da título a la película, podría haber sido extraída de Mezzanine o Protection, dos de los discos clave en la carrera de la banda, por su atmósfera calmada y vibrante a la vez. La banda sonora creada por Massive Attack es un rompecabezas perfectamente ensamblado de música ambiental a ratos depresiva, a ratos esperanzadora. Sin perder en ningún momento el aura misteriosa y cerrada que destila la película de Luc Besson.

En 2006 editaron un disco doble Collected que es un recopilatorio de sus mejores temas, más un disco de canciones b sides y rarezas y un DVD con todos sus vídeos. El single es Live With me.

En 2009 se anuncia el lanzamiento de un EP que será prolegómeno del nuevo álbum. Este EP se titula "Splitting the atom" y el tema que le da título está interpretado por 3D, Daddy G y Horace Andy. Los otros 3 temas que incluye son "Pray for rain", "Psyche" y "Bulletproof love", interpretados por Tunde Abedimpe, Martina Topley Bird y Guy Garvey respectivamente.

La fecha definitiva anunciada para el lanzamiento del quinto álbum es febrero de 2010.

Massive Attack

Blue Lines [1991]

01. Safe from Harm (5:18)
02. One Love (4:48)
03. Blue Lines (4:21)
04. Be Thankful for What You've Got (4:09)
05. Five Man Army (6:04)
06. Unfinished Sympathy (5:08)
07. Daydreaming (4:14)
08. Lately (4:26)
09. Hymn of the Big Wheel (6:36)

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Protection [1994]

01. Protection (7:51)
02. Karmacoma (5:16)
03. Three (3:49)
04. Weather Storm (4:59)
05. Spying Glass (5:20)
06. Better Things (4:13)
07. Eurochild (5:11)
08. Sly (5:24)
09. Heat Miser (3:39)
10. Light My Fire (Live) (3:15)

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No Protection [1995]

01. Radiation Ruling the Nation (Protection) (8:35)
02. Bumper Ball Dub (Karmacoma) (5:59)
03. Trinity Dub (Three) (4:22)
04. Cool Monsoon (Weather Storm) (7:10)
05. Eternal Feed Back (Sly) (6:26)
06. Moving Dub (Better Things) (5:57)
07. I Spy (Spying Glass) (5:07)
08. Backward Sucking (Heat Miser) (6:17)

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Mezzanine [1998]

01. Angel (6:19)
02. Risingson (4:58)
03. Teardrop (5:30)
04. Inertia Creeps (5:57)
05. Exchange (4:11)
06. Dissolved Girl (6:06)
07. Man Next Door (5:56)
08. Black Milk (6:21)
09. Mezzanine (5:56)
10. Group Four (8:12)
11. (Exchange) (4:14)

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100th Window [2003]

01. Future Proof (5:38)
02. What Your Soul Sings (6:38)
03. Everywhen (7:39)
04. Special Cases (5:09)
05. Butterfly Caught (7:34)
06. A Prayer for England (5:48)
07. Small Time Shot Away (7:59)
08. Name Taken (7:49)
09. Antistar (8:17)

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Danny the Dog OST [2004]

01. Opening Title
02. Atta Boy
03. P Is for Piano
04. Simple Rules
05. Polaroid Girl
06. Sam
07. One Thought at a Time
08. Confused Images
09. Red Light Means Go
10. Collar Stays On
11. You've Never Had a Dream
12. Right Way to Hold a Spoon
13. Everybody's Got a Family
14. Two Rocks and a Cup of Water
15. Sweet Is Good
16. Montage
17. Everything About You Is New
18. Dog Obeys
19. Danny the Dog
20. I Am Home
21. Academy

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http://www.mediafire.com/file/lnqdztmw3tm/2004 - Danny The Dog OST.rar

Collected [2006]

CD1:
01. Safe From Harm
02. Karmacoma
03. Angel
04. Teardrop
05. Inertia Creeps
06. Protection
07. Butterfly Caught
08. Unfinished Sympathy
09. Risingson
10. What Your Soul Sings
11. Future Proof
12. Five Man Army
13. Sly
14. Live With Me

CD2:
01. False Flags
02. Incantations
03. Silent Spring
04. Bullet Boy
05. Black Melt
06. Joy Luck Club
07. Small Time Shoot 'Em Up
08. I Against I
09. I Want You
10. Danny The Dog

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Singles Box 90/98

CD1: Daydreaming (4 versiones) / Any Love
CD2: Unfinished Sympathy (5 versiones)
CD3: Safe From Harm (6 versiones)
CD4: Hymn Of The Big Wheel (2 versiones) / Home Of The Whale / Be Thankful For What You've Got (Perfecto Mix) / Any Love (Larry Heard Mix)
CD5: Sly (7 versiones)
CD6: Protection (6 versiones)
CD7: Karmacoma (7 versiones)
CD8: Risingson (4 versiones) / Superpredators
CD9: Teardrop (4 version) / Euro Zero Zero
CD10: Angel (4 versiones) / Group Four (Mad Professor Remix)
CD11: Inertia Creeps (5 versiones) / Back She Comes / Reflection

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Green Day - Discografia

Los orígenes de la banda se remontan a 1982 cuando Billie Joe y Mike, dos muchachos de diez años de Rodeo se conocieron y se hicieron amigos. Ambos compartían una afición especial por los grupos de la corriente punk que se desarrollaba en Berkeley en ese momento (Mr. T Experience, Operation Ivy, Crimpshrine) y por otros grupos de punk de finales de los 80 como Social Distortion y Husker Du.

Influenciados por estos grupos, decidieron formar su propia banda de pop punk, llamada inicialmente Sweet Children, junto a John Kiffmeyer (más conocido como Al Sobrante, quien había tocado previamente en la banda vecina Isocracy) en la batería en el año 1989. El grupo debutó en el restaurante Rod's Hickory Pit (donde trabajaba la madre de Billie Joe) ante unos 30 amigos. Tiempo después el grupo se asentó permanentemente en Berkeley, uno de los epicentros de la corriente punk de California.

En ese mismo año grabaron su primer EP con Skene! Records, llamado simplemente Sweet Children. Este contenía tres canciones originales: "Sweet Children", "Best Thing In Town" y "Strangeland" (siendo esta, con su pegadizo coro, la que más se acerca al estilo que cultivaría el grupo después). La cuarta canción del EP era un cover de la famosa "My Generation" de The Who. En ese año grabaron con el nombre de Green Day el EP 1,000 Hours, que fue bien recibido en la escena punk y hardcore de California.

En 1990, la banda cambió su nombre oficialmente a Green Day (el nombre de una canción escrita cuando eran todavía Sweet Children), y, después de una demostración bajo la lluvia para Lawrence Livermore, firmaron con su casa discográfica, Lookout! Records. El primer álbum de Green Day, 1,039/Smoothed Out Slappy Hours, fue puesto a la venta ese mismo año, recopilando sus trabajos anteriores (1,000 hours, 39 Smooth y Slappy). Poco después de su lanzamiento, Al Sobrante deja de ser el batería para retomar sus estudios en la universidad. Fue entonces cuando reclutaron a Tré Cool, vecino del fundador de Lookout! Larry Livermore y batería de Lookouts, quien sigue siendo el batería del grupo hasta ahora. Armstrong y Dirnt ya conocían a Cool de diversos conciertos siendo aun Sweet Children. El día después de la graduación en el instituto John Swett (en el que Mike se graduó, y Billie Joe fue expulsado el día después de cumplir 18 años) empezaron una gira en el bibliobús del padre de Tré a lugares como Atlanta, Los Ángeles, Nueva York y Canadá.

El segundo álbum de la banda fue Kerplunk, lanzado el 17 de enero de 1992 por Lookout!, su último disco con la banda. La versión en CD incluía cuatro pistas del EP Sweet Children. Este album es aun más suave y accesible que el anterior, con canciones pausadas como "Christie Road" y "No One Knows". Con Kerplunk la fama del grupo trascendió las fronteras de California, haciendolos muy populares en todo el pais. El disco vendió 500.000 copias, una cifra muy buena para un grupo de punk en una firma independiente y para hacer dinero extra en la banda ya que en la cual es indispensable

Álbum: 1,039/Smoothed Out Slappy Hours
Temas
1. At the Library
2. Don't Leave Me
3. I Was There
4. Disappearing Boy
5. Green Day
6. Going To Pasalacqua
7. 16
8. Road to Acceptance
9. Rest
10. The Judge's Daughter
11. Paper Lanterns
12. Why Do You Want Him?
13. 409 in Your Coffeemaker
14. Knowledge
15. 1,000 Hours
16. Dry Ice
17. Only Of You
18. The One I Want
19. I Want To Be Alone
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Álbum: Kerplunk
Temas
1. 2000 Light Years Away
2. One For The Razorbacks
3. Welcome to Paradise
4. Christie Road
5. Private Ale
6. Dominated Love Slave
7. One Of My Lies
8. 80
9. Android
10. No One Knows
11. Who Wrote Holden Caulfield?
12. Words I Might Have Ate
13. Sweet Children
14. Best Thing In Town
15. Strangeland
16. My Generation
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Álbum: Dookie
Temas
1. Burnout
2. Having a Blast
3. Chump
4. Longview
5. Welcome to Paradise
6. Pulling Teeth
7. Basket Case
8. She
9. Sassafras Roots
10. When I Come Around
11. Coming Clean
12. Emenius Sleepus
13. In the End
14. F.O.D.
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Álbum: Insomniac
Temas
1. Armatage Shanks
2. Brat
3. Stuck With Me
4. Geek Stink Breath
5. No Pride
6. Bab's Uvula Who?
7. 86
8. Panic Song
9. Stuart and the Ave
10. Brain Stew
11. Jaded
12. Westbound Sign
13. Tight Wad Hill
14. Walking Contradiction
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Álbum: Bowling Bowling Bowling Parking Parking
Temas
1. Armatang Shanks
2. Brainstew
3. Jaded
4. Knowledge
5. Basket Case
06. She
7. Walking Contradiction
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Álbum: Nimrod
Temas
1. Nice Guys Finish Last
2. Hitchin' a Ride
3. The Grouch
4. Redundant
5. Scattered
6. All The Time
7. Worry Rock
8. Platypus (I Hate You)
9. Uptight
10. Last Ride In
11. Jinx
12. Haushinka
13. Walking Alone
14. Reject
15. Take Back
16. King for a Day
17. Good Riddance (Time of Your Life)
18. Prosthetic Head
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Álbum: Warning
Temas
1. Warning
2. Blood, Sex and Booze
3. Church On Sunday
4. Fashion Victim
5. Castaway
6. Misery" (Green Day)
7. Deadbeat Holiday
8. Hold On
9. Jackass
10. Waiting
11. Minority
12. Macy's Day Parade
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Álbum: International Superhits
Temas
1. Maria
2. Poprocks & Coke
3. Longview
4. Welcome to Paradise
5. Basket Case
6. When I Come Around
7. She
8. J.A.R. (Jason Andrew Relva)
9. Geek Stink Breath
10. Brain Stew
11. Jaded
12. Walking Contradiction
13. Stuck with Me
14. Hitchin' a Ride
15. Good Riddance (Time of Your Life)
16. Redundant
17. Nice Guys Finish Last
18. Minority
19. Warning
20. Waiting
21. Macy's Day Parade
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Álbum: Shenanigans
Temas
1. Suffocate
2. Desensitized
3. You Lied
4. Outsider
5. Don't Wanna Fall in Love
6. Espionage
7. I Want to Be on TV (Fang)
8. Scumbag
9. Tired of Waiting for You
10. Sick of Me
11. Rotting
12. Do Da Da
13. On the Wagon
14. Ha Ha You're Dead
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Álbum: American Idiot
Temas
1. American Idiot
2. Jesus Of Suburbia
3. Holiday
4. Boulevard of Broken Dreams
5. Are We The Waiting
6. St. Jimmy
7. Give Me Novacaine
8. She's A Rebel
9. Extraordinary Girl
10. Letterbomb
11. Wake Me Up When September Ends
12. Homecoming
13. Whatsername
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Álbum: Bullet in a Bible
Temas
1. American Idiot
2. Jesus Of Suburbia
3. Holiday
4. Are We The Waiting
5. St. Jimmy
6. Longview
7. Hitchin' a Ride
8. Brain Stew
9. Basket Case
10. King for a day/Shout
11. Wake Me Up When September Ends
12. Minority
13. Boulevard Of Broken Dreams
14. Good Riddance
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Álbum: Transmissions
Temas
1. 409 In Your Coffee Maker
2. Welcome To Paradise
3. 2,000 Light Years Away
4. The Judge's Daughter
5. Christy Road
6. Only Of You
7. Who Wrote Holden Caufield?
8. Going To Pasalacqua
9. Paper Lanterns
10. One Of My Lies
11. Country Hoedown AKA Dominated Love Slave
12. F.O.D (1:12)
13. Words I Might Have Ate
14. Chump (Live)
15. Longview (Live)
16. Basket Case (Live)
17. When I Come Around (Live
18. Burnout (Live)
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Álbum: 21st Century Breakdown
Temas
1.Song of the Century
2.21st Century Breakdown
3.Know Your Enemy
4.¡Viva La Gloria!
5.Before The Lobotomy
6.Christian’s Inferno
7.Last Night On Earth
8.East Jesus Nowhere
9.Peacemaker
10.Last Of The American Girls
11.Murder City?
12.Viva La Gloria? (Little Girl)
13.Restless Heart Syndrome
14.Horseshoes and Handgrenades
15.The Static Age
16.21 Guns
17.American Eulogy
18.See The Light
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Foo Figthers - Discografia

La historia de Foo Fighters empieza cuando Dave Grohl, antiguo miembro de Scream, es contratado para hacer las labores de batería en el por aquel entonces desconocido grupo de grunge Nirvana. La casualidad quiso que el primer disco de Grohl en dicha formación, Nevermind, fuese un auténtico éxito en el ámbito "mainstream", gracias a lo cual la banda se aupó a los primeros puestos en las listas de ventas de todo el mundo. Esta situación puso a Kurt Cobain, líder del grupo, en situaciones de depresión y abuso de drogas, incomodándose por su posición de estrella mediática, lo que acabaría con su muerte en abril de 1994. Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no mostró la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas cien casetes que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Tras la muerte de Kurt Cobain y la consiguiente desaparición de Nirvana, Grohl decidió seguir adelante con su carrera musical. Regresó al estudio por cuenta propia para grabar otras cuantas canciones más que ya había escrito, esta vez bajo el pseudónimo de Foo Fighters debido a la afición de Grohl por los fenómenos paranormales. Él mismo grabó todos los instrumentos en todas las canciones, a excepción de una guitarra de acompañamiento cortesía de su amigo Greg Dulli (guitarrista de Afghan Whigs).^[1] Igualmente editó esta grabación en casete y la repartió entre sus amigos. Sin embargo, en esta ocasión recibió muy buenos comentarios e incluso una de las canciones, This is a Call, empezó a tener rotación en la radio angelina, razón por la cual decidió formalizar lo que hasta el momento era sólo un proyecto y reclutó a otros músicos para formar una banda oficialmente, creando además su propio sello discográfico: Roswell Records, subsidiaria de Capitol Records.^[2]

Fue así como se dio inicio a los Foo Fighters, cuyo nombre proviene de la forma en que llamaban los pilotos aliados a los objetos voladores no identificados (OVNI) durante la Segunda Guerra Mundial.

Álbum: Foo Fighters
Temas
1. This Is A Call
2. I’ll Stick Around
3. Big Me
4. Alone + Easy Target
5. Good Grief
6. Floaty
7. Weenie Beenie
8. Oh, George
9. For All The Cows
10. X-Static
11. Wattershed
12. Exhausted
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Álbum: The colour and the shape
Temas
1. Doll
2. Monkey Wrench
3. Hey, Johnny Park!
4. My Poor Brain
5. Wind Up
6. Up In Arms
7. My Hero
8. See You
9. Enough Space
10. February Stars
11. Everlong
12. Walking After You
13. New Way Home

10th Anniversary Edition (Bonus Tracks)
1.Requiem
2.Drive Me Wild
3.Down In The Park
4.Baker Street
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Álbum: There Is nothing left to lose
Temas
1. Stacked Actors
2. Breakout
3. Learn To Fly
4. Gimme Stitches
5. Generator
6. Aurora
7. Live-In Skin
8. Next Year
9. Headwires
10. Ain’t It The Life
11. M.I.A
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Álbum: Brain Damage
Temas
1- My Hero.
2- For All The Cows.
3- I'll Stick Around.
4- Big Me.
5- Stacked Actors.
6- This Is A Call.
7- Next Year.
8- Monkey Wrench.
9- Everlong.
10- Learn To Fly.
11- Up In Arms.
12- Ain't That The Life.
13- Hey Johnny Park
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Álbum: One by one
Temas
1.All My Life
2.Low
3.Have It All
4.Times Like These
5.Disenchanted Lullaby
6.Tired Of You
7.Halo
8.Lonely As You
9.Overdrive
10.Burn Away
11.Come Back
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Álbum: In your honor
Temas
Disco 1
1. In Your Honor
2. No Way Back
3. Best Of You
4. DOA
5. Hell
6. The Last Song
7. Free Me
8. Resolve
9. The Deepest Blues Are Black
10. End Over End

Disco 2
1. Still
2. What If I Do?
3. Miracle
4. Another Round
5. Friend Of A Friend
6. Over And Out
7. On The Mend
8. Virginia Moon
9. Cold Day In The Sun
10. Razor
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Álbum: Skin And Bones
Temas
1. Razor
2. Over and Out
3. Walking After You
4. Marigold
5. My Hero
6. Next Year
7. Another Round
8. Big Me
9. Cold Day in the Sun
10. Skin and Bones
11. February Stars
12. Times Like These
13. Friend of a Friend
14. Best of You
15. Everlong
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Álbum: Echoes, Silence, Patience and Grace
Temas
1. The Pretender
2. Let It Die
3. Erase/Replace
4. Long Road To Ruin
5. Come Alive
6. Stranger Things Have Happened
7. Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)
8. Summer s End
9. Ballad Of The Beaconsfield Miners
10. Statues
11. But, Honestly
12. Home
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Álbum: The Missing Pieces
Temas
1. Walking A Line
2. Life Of Illusion
3. Danny Says
4. Drive Me Wild
5. Born In The Bayou
6. Iron And Stone
7. Goodbye Lament (con Tommy Iommi)
8. I’m In Love With A German Film Star
9. Up In Arms (acústico)
10. A320
11. Dear Lover
12. Ozone
13. Have A Cigar
14. How I Miss You
15. Marigold
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Álbum: Greathes Hits
Temas
1.All My Life
2.Best Of You
3.Everlong
4.The Pretender
5.My Hero
6.Learn To Fly
7.Times Like These
8.Monkey Wrench
9.Big Me
10.Breakout
11.Long Road To Ruin
12.This is a Call
13.Skin and Bones
14.Wheels
15.Word Forward
16.Everlong (acoustic)
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Queen - Discografia

Queen fue una banda de rock británica formada en 1970 en Londres por el guitarrista Brian May, el cantante Freddie Mercury y el baterista Roger Taylor, con el bajista John Deacon completando la alineación al año siguiente.

La banda destacó por su diversidad musical, arreglos en múltiples capas, armonías vocales y la incorporación de la participación del público durante sus presentaciones en vivo. Se les considera pioneros del desarrollo del hard rock y heavy metal, incorporando elementos del glam rock, rock progresivo, folk, blues, pop e incluso reggae. Su actuación en el concierto Live Aid en 1985 fue elegida a través de una encuesta musical como la mejor actuación de rock de todos los tiempos.

Queen disfrutó del éxito en Gran Bretaña a principios de los '70 con los álbumes Queen y Queen II, pero fue con la publicación de Sheer Heart Attack en 1974 y A Night At The Opera el año siguiente que la banda alcanzó el éxito internacional. Publicaron 15 álbumes de estudio, 5 álbumes en vivo y numerosas recopilaciones. Desde la muerte de Mercury y el retiro de Deacon, May y Taylor se han presentado juntos ocasionalmente en eventos especiales y programas televisivos como músicos invitados junto a otros artistas y/o bandas. Desde 2004 a 2009 trabajaron junto a Paul Rodgers, bajo el nombre de Queen + Paul Rodgers.

Queen fue nombrado el 13# mejor artista de Hard rock en la "VH1's 100 Greatest Artists of Hard Rock list"

1973-Queen.

Queen es el álbum debut de la banda de rock británica Queen, publicado en julio de 1973. Fue grabado en Trident Studios y De Lane Lea Music Centre, Londres, con la producción de Roy Thomas Baker, John Anthony y Queen.

El álbum fue influenciado por el rock de la costa inglesa, hard rock, y heavy metal de aquel entonces y habla de temas como el folklore (My Fairy King) y la religión (Jesus). El vocalista Freddie Mercury compuso cinco de las diez canciones del disco. El guitarrista Brian May contribuyó con cuatro canciones incluyendo Doing All Right, la cual fue coescrita con el líder de su ex banda Smile, Tim Staffell. El baterista Roger Taylor compuso y cantó Modern Times Rock and Roll. La última canción del álbum es una corta versión instrumental de Seven Seas of Rhye (la versión completa, incluyendo letras, apareció en el siguiente álbum de la banda, Queen II). El grupo incluyó el comentario «Sin sintetizadores» en la carátula del álbum, ya que en aquella época opinaban que éstos no sonaban a gusto. El nombre del bajista John Deacon aparece en la carátula del vinilo original como «Deacon John», ya que Mercury y Taylor consideraron que de esta forma sonaría más interesante. Poco después del lanzamiento, Deacon decidió que prefería usar su nombre real en adelante.

1974-Queen2.

Queen II es el título de la segunda obra discográfica del cuarteto inglés de música rock Queen. El disco, originalmente fue producido en formato de larga duración (Long Play) en vinilo, fue lanzado por primera vez en 1974. La terminación del álbum coincidió con la crisis del petróleo de 1973 y por lo tanto las medidas de conservación de energía retrasaron su elaboración por varios meses. Fue grabado en los "Trident Studios", en Londres (Inglaterra) en agosto de 1973, y dirigido por Mike Stone. Posteriormente se extendió en formato a disco compacto, el cual incluye grabaciones mezcladas adicionales a la lista de temas originales.

El título de la obra denota con números romanos su posterioridad al primer álbum del grupo de titulo homónimo al grupo.

1974 - SHEER HEART ATTACK

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Publicado el 8 de noviembre de 1974 por EMI. Fue grabado en los estudios Trident, Wessex, Rockfield y Air (Reino Unido) entre julio y septiembre de ese mismo año y producido por Roy Thomas Baker y Queen. Llegó al número dos de la lista de discos más vendidos en el Reino Unido y al número doce en Estados Unidos.

1975 - A NIGHT AT THE OPERA

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Después de terminar su álbum anterior, Sheer Heart Attack, los componentes de Queen hicieron una pequeña gira local y luego se tomaron unas cortas vacaciones, que incluyeron la boda de John Deacon y la ida de Brian May a Tenerife haciendo estudios sobre astronomía. Después de ello se fueron a Estados Unidos, luego a unas vacaciones en Hawaii y luego a su primer visita a Japón, de la cual volvieron en mayo, se tomaron un tiempo para su vida personal y a inicios de agosto se fueron a los estudios Elstree en Hertfordshire a ensayar. Un aspecto importante es que cambiaron de manejador, al terminar su relación con Trident y firmar con EMI; su nuevo encargado, John Reid, convenció a la discográfica que les dieran enormes cantidades de dinero para poder grabar "el mejor álbum posible", sabiendo bien que era un riesgo, pero afortunadamente para la banda, valió la pena correr con el mismo, ya que gracias a la inversión de EMI pudieron alquilar numerosos estudios de la más alta calidad.

Las sesiones propiamente dichas comenzaron el 24 de agosto en los estudios Rockfield al sur de Gales, durante las cuales grabaron las pistas de fondo de los temas (piano, bajo y batería, más que todo). Después se fueron a Londres y alquilaron simultáneamente los estudios Olympic, Sarm, Scorpio y Lansdowne así como la sala de conciertos Roundhouse. La razón por la que alquilaron varios estudios es que uno o varios de los integrantes de la banda podía estar trabajando en un tema, y los demás en otro, al mismo tiempo, sin necesidad de sentarse a esperar que cada uno termine. También había una cuestión de cercanía ya que todos los estudios estaban a 20 minutos o menos (en automóvil) de la casa de cada uno de los integrantes (que de por sí vivían muy cerca).

Y también está que algunos estudios tenían mejor sonido para una cosa pero no para otra: a Queen nunca le gustó como quedaban las voces en Rockfield (en Gales), así que cuando se trataba de cantar grababan en Londres; el eje central de éste álbum fueron los estudios Sarm (después bautizados Sarm East), que contaban con una excelente acústica debido a que fueron diseñados por un pianista profesional y se habían usado entre otras cosas para el famoso musical Rocky Horror Picture Show unos años antes. Todo el álbum fue mezclado ahí, y se realizaron numerosas grabaciones, incluyendo partes de "Prophet's Song" y "Death on Two Legs".

1976 - A DAY AT THE RACES

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A Day at the Races es el quinto álbum de la banda inglesa de rock Queen, con fecha de lanzamiento de 10 de diciembre de 1976. Fue el primer álbum producido sólo por la banda, después de co-producir sus primeros 4 álbumes junto a Roy Thomas Baker (Queen I, Queen II, Sheer Heart Attack y A Night at the Opera) y John Anthony (Queen).

A Day at the Races fue grabado en los Sarm West, The Manor and Wessex Studios en Inglaterra y el ingeniero fue Mike Stone. El título del álbum es una referencia directa al anterior, A Night at the Opera. Ambos álbumes están titulados como películas de los hermanos Marx.

1977 - NEWS OF THE WORLD

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Lanzado el 28 de octubre de 1977. Conteniendo canciones exitosas como We Will Rock You, We Are the Champions (ambas comunmente usadas en eventos deportivos), y Spread Your Wings, el álbum consiguió 4 discos de platino en los Estados Unidos, y junto con el álbum de 1980 The Game ostentan el título de ser el disco más vendido de Queen en Norteamérica.

1978 - JAZZ

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Editado y producido en 1978 és, sin duda alguna, un trabajo con muchos matices dentro del rock inglés, éste en particular es curiosamente llamativo ya que la banda junto a Roy Thomas Baker (coproductor de Jazz y más adelante de Live Killers) logró incluir una rara pero interesante selección de temas, lo que haría de este disco algo único.

Así como lo vemos este disco no es lo que parece, lo más raro de la lista de temas son canciones como Mustapha donde la mayoría de las palabras que componen la letra son simples improvisaciones imitando la fonética persa o Jealousy donde se incluyen arreglos de instrumentos Hindúes y en Dreamer's Ball hay una tendencia notable hacia el blues, pero siempre manteniendo el sonido y estilo que los caracteriza.

Bicycle Race y Don't Stop Me Now hoy en día forman parte de aquellos temas que caracterizan sin lugar a dudas una época de la banda y del rock en general. En cuanto al primero fue en aquel entonces un tema polémico, no por la letra, sino por su video donde se muestran cientos de chicas desnudas andando en bicicleta. Y con respecto al segundo, fue el tema que le abrió a Queen las puertas de par en par al mercado de los Estados Unidos.

Cabe destacar que en cuanto a la composición general de éste LP todos los integrantes tuvieron una gran participación, además de la labor destacable de John Deacon al escribir (cosa que resulta inusual porque la mayoría de las letras son por parte de Freddie Mercury & Brian May). Se dice que Roger Taylor habría diseñado la parte artística inspirándose en un dibujo en el muro de Berlín, similar a la portada.

1980 - THE GAME

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The Game fue el primer álbum de Queen que alcanzó la primera posición, tanto en el ranking de los Estados Unidos como en el del Reino Unido. Si bien el álbum tuvo arreglos más simples que otros trabajos de Queen, The Game fue recibido con los más grandes elogios. Entre las canciones del álbum se incluyen "Another One Bites the Dust" y "Crazy little thing called love"; ambas ascendieron al puesto número uno en los Estados Unidos. The Game fue el primer álbum de Queen en el que se utilizó sintetizadores.

Originariamente (mientras se preparaba el disco), el título era "Play the game", pero el baterista Roger Taylor expresó su inquietud acerca de sus posibles alusiones de conformidad, así que simplemente cambiaron el título a The Game.

1980 - FLASH GORDON SOUNDTRACK

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Flash Gordon es un disco soundtrack realizado por la banda de Rock inglesa Queen para la película de ciencia ficción Flash Gordon. Todas las canciones del álbum menos dos (Flash y The Hero) son instrumentales.

1984 - THE WORKS

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The Works es el álbum número 11 de la banda inglesa Queen. El disco fue grabado en los estudios Record Plant y Musicland entre agosto de 1983 y enero de 1984 y salió a la venta el 27 de febrero de 1984 en el Reino Unido y al día siguiente en Estados Unidos. Esta obra marcó un regreso parcial del grupo a sus raíces dentro de la música rock, aunque este acercamiento fue mucho más ligero. También es el álbum de Queen donde hay un mayor uso de música electrónica.

The Works fue el álbum de Queen con mayor permanencia en el ranking musical del Reino Unido (93 semanas), llegando al puesto número 2. En Estados Unidos no provocó mayor impacto aunque algo distinto sucedería en Latinoamérica donde el fue un éxito arrollador con canciones como Radio Ga Ga y I Want to Break Free.

El álbum fue producido por Queen y Reinhold Mack; fue promocionado por la gira The Works Tour entre 1984 y 1985.

1986 - A KIND OF MAGIC

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Se lanzó a la venta el 2 de junio de 1986 en Reino Unido y al día siguiente en EE. UU. El álbum fue un éxito arrollador en Reino Unido, alcanzando el primer puesto en los charts y manteniéndose en éstos por 63 semanas. El disco en sí es la banda sonora de la película Highlander en la cual podemos encontrar las canciones de este álbum. El disco fue producido por Queen, Mack y David Richards.

1989 - THE MIRACLE

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Tras 2 años sin grabar Queen comienza en 1988 a grabar el álbum The Miracle, el cual salió a la luz en 1989. En la portada del disco se puede observar todas las caras de los miembros de la banda juntos, demostrando así unidad entre sus miembros. Otro signo de esta unidad es que cada canción sale escrita a nombre de Queen. La doble lectura del álbum The Miracle en general está en una visión esperanzadora de Freddie Mercury frente a su enfermedad, algo que cambia drásticamente en su siguiente álbum (Innuendo,1991) que se convierte en una verdadera pieza dramática.

El mayor éxito fue "I Want it All" (puesta a nombre de Queen pero escrita por Brian May), le siguen "Breakthru" (Roger Taylor), "The Invisible Man" (Roger Taylor), Scandal (Brian May) y "The Miracle" (Freddie Mercury), que fueron las canciones más destacadas.

1991 - GREATEST HITS II

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Greatest Hits II es un álbum compilatorio de la banda de rock Queen, aparecido en 1991. En él se reúnen los éxitos de la banda entre 1981 y 1991. Las ventas de este disco, sumado a su contraparte estadounidense Classic Queen, acumulan más de 20 millones de copias actualmente. El disco se publicó apenas un mes antes del fallecimiento del vocalista de la banda Freddie Mercury, y supone el último material publicado por el grupo con su cantante en vida.

1991 - INNUENDO

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Innuendo es el último álbum de la banda de rock británica Queen con su formación original. Este es el último álbum de estudio de la banda publicado antes del fallecimiento de su vocalista, Freddie Mercury. Este álbum alcanzó la posición número uno en las listas en Reino Unido, y se mantuvo ahí durante dos semanas. Fue aclamado por parte de la crítica, la cual dijo que Queen se había superado a sí mismo. El single del mismo nombre del álbum fue un éxito arrollador en todo el mundo. Mención especial merece el éxito logrado por el álbum al margen del Reino Unido. En Holanda, llegó al número uno, y se mantuvo en esa posición durante cuatro semanas; también llegó a lo más alto en Suiza (ocho semanas), donde obtuvo la certificación de doble platino; en Alemania estuvo seis semanas al tope de los charts (disco de platino por 500.000 unidades vendidas).

También llegó al número uno en Italia, durante dos semanas, donde vendió 400.000 copias sólo durante 1991, y a lo más alto en Finlandia.

1995 - MADE IN HEAVEN

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Fue editado en el año 1995, casi 4 años después de la muerte del vocalista del grupo, Freddie Mercury, debida a los efectos del Virus de la inmunodeficiencia humana (VIH) causándole la enfermedad del SIDA.

En él se cuentan once canciones de las cuales solo 3 fueron grabadas después de la edición de Innuendo. Los temas "nuevos" son: Mother Love, You Don't Fool Me y A Winter's Tale. El resto de las canciones provienen de diversas sesiones en el tiempo.

It's A Beautiful Day: proveniente de las sesiones de The Game en 1980. Las improvisaciónes de la canción son pertenecientes a John Deacon.

Made In Heaven: originalmente de Freddie solista, 1985.

Let me live: Es la única canción de Queen en donde se incluyen coros provenientes de otras personas. Como también la unica cancion en donde las tres voces de Queen tienen papel principal. Fue escrita en la decada de los 80s sin saber bien cual año. Obtuvo varios cambios antes de ver la luz en Made in heaven ya que en su comienzo la pista era muy parecida a una cancion de Janis Joplin's.

Mother Love: Fue la última canción que grabo Mercury. Debido a una gran afección pulmonar que padecia en ese momento no pudo terminar la última estrofa por consecuencia se puede oir la voz de Brian May cantandola. La pista tiene una letra muy personal y profunda originarios del gran problema de salud de Mercury. En el final se puede oir una secuencia de sonidos que simulan el retroceso de la vida de Freddie hasta llegar al llanto de un bebé. Para ello se mesclaron sonidos de varios temas como Tie Your Mother Down, One Vision, Lero Lero en Wembley '86 llegando hasta una estrofa de Larry Lurex (primer alias de Freddie Mercury) cantando "I think I'm going back".

My Life Has Been Saved: de las sesiones de The Miracle, originalmente se editó en el lado b de Scandal. Aunque acredita a toda la banda esta cancion fue escrita por John Deacon entre 1987/1988.

I Was Born To Love You: al igual que Made In Heaven, proviene del primer disco solista de Freddie Mercury, grabada entre 1984 y 1985 con arreglos de sonidos tipicos de Queen, lo cual la version original carece.

Heaven For Everyone: original de las sesiones para A Kind Of Magic, en 1987 The Cross (banda de Roger Taylor) la interpretó para su disco debút Shove It de 1988 teniendo como colaboracion la voz de Freddie y coros de Roger Taylor. También fue editado en single y en videoclip en donde la vocalización fue grabada por Roger en su totalidad suprimiendo la de Freddie. La versión de Made In Heaven proviene de 1987, en 1995 se le agregaron arreglos y se agregaron los coros típicos de Queen en donde se incluye a Brian May.

Too Much Love Will Kill You: original de 1988 para las sesiones de The Miracle. Por problemas de derechos con Frank Musker y Elizabeth Lamers no se editó en The Miracle. Luego Brian May la interpretaría en el Tributo a Freddie Mercury, y sería single de su disco Back To The Light de 1992. A diferencia de la version de Back to the Light esta presenta un sonido mas rockero el cual Brian siempre utilizó al interpretarla en vivo desde 1992.

You don't fool me: esta canción fue escrita en papel durante las sesiones de Innuendo para luego ser grabada por Freddie Mercury el último año de su vida. Aunque se acredita a la banda Queen pertenece a Freddie Mercury y Roger Taylor. En declaraciónes hechas por Brian May durante su gira solista en 1992 cuenta que fue costoso y casi no se incluye debido a la poca lirica que contiene la canción. Su productor David Richards no se dio por vencido y creo una base la cual mezclo la voz de Freddie para luego presentarsela a May. Luego se mezcló guitarras, bajos, baterias y coros de Queen dejando impresionados a May y Taylor su estado final. Así y todo fue número uno en varios charts mundiales. Esta canción recuerda a mucho al estilo electrico de Queen en Hot Space (1982).

It's A Beautiful Day (Reprise): además del material de 1980, contiene material de 1973, de las sesiones para Queen y Queen II.

La tapa del disco muestra una foto de la estatua del cantante de la banda en Montreux, Suiza, lugar donde los Queen solían realizar las grabaciones en su propio estudio adquirido años antes.La contratapa muestra a Brian May, Roger Taylor y John Deacon en el mismo lugar.

U2 - Discografia

>> sábado 21 de noviembre de 2009

El nacimiento del grupo

En su libro "Stories for Boys", Dave Thomas escribe: "Ha habido pocas historias de éxito tan puras y simple como las de U2". La historia de U2 comenzó a mediados de los 70 en la escuela secundaria de Mount Temple en Dublín, Irlanda. El baterista Larry Mullen, Jr., coloco un aviso en un tablero de anuncios pidiendo una respuesta de cualquiera que estuviera interesado en comenzar una banda. Dave Evans ("The Edge") fue el primero en responder. El, su hermano Dick, el bajista Adam Clayton y Paul Hewson (Bono) asistieron a la primera reunión en la casa de Larry--la fecha exacta el 25 de septiembre de 1977. Bono quería la posición de primera guitarra pero eso rápido cambio y se convirtió desde ese Día en "la voz" del grupo.

Con la ayuda de su maestro de música, Albert Bradshaw, Larry, Adam, "The Edge" y Bono practicaban durante las horas de almuerzo en una sala de clases. Para ese tiempo el grupo se llamaba "Feedback". Poco después, cambiaron su nombre a “The Hype”. Ya para finales del termino escolar del 1976, la banda debuto en el gimnasio de la escuela, con la canción de Peter Frampton: “Show me the way”. Bono ha admitido que esa actuación ha sido una de las mejores de la banda.

Comienzos con paso firme

Luego de ya formalmente cambiar su nombre a “U2”, la banda lanzo su primer disco en septiembre de 1979, un EP de tres canciones que lleva por titulo “U2-3”. Estaba disponible en varios formatos de vinilo y solamente en Irlanda. La versión de 12 pulgadas fue limitada a solo 1,000 copias que estaban enumeradas a mano (puño y letra) por Jackie Hayden, el director de mercadeo de CBS RECORDS en Irlanda. El disco incluyo tres canciones : “ Out of Control”, “Stories for Boys” y “Boy-Girl”. Las canciones habían sido escogidas por seguidores de la banda que habían hecho una votación a través del programa de radio de la RTE en Irlanda y el cual estaba dirigido por Dave Fanning. Fanning es uno de los mejores DJs de Irlanda y el primero que puso música de U2 en la radio de Irlanda y por ende en toda la radio mundial. A través de los años, Fanning ha hecho varias entrevistas con U2, pero la mas notoria una que se llevo a cabo el 25 de junio de 1987, cuando los miembros de U2 hicieron la entrevista sin ropa alguna.

El primer disco de U2, “Boy”, fue lanzado en octubre de 1980. Alrededor de ese tiempo, Paul McGuinness se convirtió en el manejador oficial de la banda. Fue McGuinness el que ayudo a la banda a obtener su primer contrato disquero con Island Records en marzo de 1980. La banda comenzó a grabarlo en agosto de 1980 en los estudios de Windmill Lane en Dublín. Con la ayuda de Steve Lillywhite como productor (en ese y cuatro discos mas, incluyendo el ultimo: “How to dismantle an atomic bomb”--el cual gano 8 Grammys en total). Aunque “Boy” no fue exitoso comercialmente, hizo que U2 se presentara por primera vez en la TV en el programa de la BBC de Inglaterra llamado “Top of the Pops”. Al mismo tiempo esa presentación ayudo a promocionar la canción “Fire”. La “Gira Boy” comenzó el 6 de septiembre de 1980 en el local de Genral Woolfe de Coventry, Inglaterra. Aunque U2 viajo por primera vez a los Estados Unidos en diciembre de 1980, no fue para promocionar su disco “Boy” sino para promocionar a la banda.

En 1981, Bono, Edge y Larry se hicieron parte de un grupo carismático cristiano llamado “Shalom”. Adam no estaba muy contento con ese grupo ni con la relación de los otros miembros de la banda con el mismo. Los otros tres comenzaron a cuestionarse si el ser cristianos y pertenecer a una banda de rock era algo posible. Todo este conflicto se ve claramente en su segundo disco “October”. Steve Lillywhite volvió a ser el productor y el álbum alcanzo el numero once en las listas de Inglaterra, vendiendo mas de 250,000 copias y dándole a U2 su primer disco de platino. Durante la gira para promocionar “October”, la banda actuó en Inglaterra, Alemania y los Estados Unidos.

En cuanto a su próximo y tercer disco, “War”, también producido por Steve Lillywhite, Bono comento lo siguiente: “La guerra pareció ser un tema popular en 1982, desde las Malvinas, el Medio Oriente y el sur de África, todos estaban en guerra. Al llamar el disco “War” , estamos dándole en la cara a la gente y al mismo tiempo saliéndonos de la imagen de “inocentes” que tiene la gente de nosotros--U2.” El disco también fue grabado en los estudios de Windmill Lane en Dublín y fue lanzado mundialmente el 28 de febrero de 1983.

Para este disco, la banda tuvo mas tiempo para preparar y practicar las canciones antes de grabarlas. Pudieron hacer una gira “pre-War” en Inglaterra y otras partes de Europa e Irlanda y así ver que canciones funcionaban en vivo y cuales no. Uno de los momentos mas memorables de la gira “War” ocurrió el 5 de junio de 1983 cuando U2 hizo un concierto en el Anfiteatro Red Rocks de Denver, Colorado en Estados Unidos. Un disco luego fue lanzado de esa presentación el cual se titulo : “Under a Blood Red Sky”. también se lanzo un VHS del concierto. Nota curiosa: ese disco solo contiene dos canciones grabadas ese día (“Gloria” y “Party Girl”) el resto son actuaciones en el Festival Lorelei en Alemania el cual tuvo lugar el 20 de agosto de 1983.

El fuego que se aviva

El titulo de su próximo disco, “The Unforgettable Fire”, fue inspirado por una exhibición especial de pinturas y dibujos hechos por sobrevivientes de los ataques de Hiroshima y Nagasaki. La exhibición ocurrió en el Museo de Paz de Chicago, Illinois, Estados Unidos en el 1983. Varias de las canciones en el disco fueron inspiradas por esa visita, entre ellas : “A Sort of Homecoming”, “The Unforgettable Fire” y “Pride, in the name of love”. Los productores Brian Eno y Daniel Lanois, crearon una nueva dirección musical para U2 -- con unas melodías relajantes y con un sonido mas europeo. El disco fue grabado parcialmente en los estudios Windmill Lane y en el Castillo de Slane a millas de Dublín (este castillo no debe confundirse con el castillo que aparece en la portada del disco; el de la portada siendo el castillo Moydrum cerca de Athlone, Irlanda). En el disco sobresalen las canciones “Pride, in the name of love” y “Bad”, ambas se han convertido en favoritas para los conciertos de U2. La gira para promocionar “The Unforgettable Fire” fue cancelada en un momento, ya que la banda pensó que necesitan practicar aun mas. Pero la gira luego continuo de forma exitosa.

El 1985 fue un gran año para U2. Primero, la banda lanzo su segundo disco EP, “Wide Awake in America”, el mini álbum contiene dos canciones no utilizadas en el “Unforgettable Fire” (“Love Comes Tumbling” and “The Three Sunrises”) y versiones en vivo de “Bad” y “A Sort of homecoming”.

Segundo y mas memorable, U2 participo en el concierto Live Aid el 13 de julio de 1985. U2 fue uno de veintidós grupos y artistas que actuaron desde el Estadio Wembley de Londres, Inglaterra. U2 fueron introducidos por Jack Nicholson, que estaba en el escenario en Philadelphia, Pensilvania, Estados Unidos. U2 tomo el escenario a las 5:20pm, hora de Londres. Bono dijo: “Sunday Bloody Sunday” y ahí cambio la historia el grupo U2.

Al momento que “The Edge” tocaba el solo de guitarra, Bono indico a un camarógrafo de TV y le indico que hiciera una toma del publico. Bono luego brinco del escenario para acercarse mas al publico. Hizo lo mismo durante l interpretación de “Bad” hasta abrazando una joven del publico ya que Bono pensó que así haría una conexión con el publico y con los que veían por TV (la conexión de la banda y sus fans/publico es una cosa mágica y que siempre a caracterizado a la banda). Mas tarde, ese momento luego fue llamado “el salto de la esperanza”.

En la cima del mundo

El próximo disco de U2 fue uno de los que mas vendió mundialmente, para esa época mas de 16 millones de copias. “The Joshua Tree” se lanzo mundialmente el 9 de marzo de 1987. Antes del lanzamiento del disco, U2 participó en varis conciertos benéficos: el “Self Aid” en Dublín y el “Conspiracy of Hope Tour” auspiciado por Amnistía Internacional.

Brian Eno y Daniel Lanois una vez mas fueron los productores de esta joya musical. “The Joshua Tree” fue dedicado a Greg Carroll (el antiguo asistente personal de Bono) quien murió en un accidente de motocicleta cuando la banda regresaba de la gira de Amnestia Internacional. La canción “One Tree Hill” fue la canción que recordaba a Carroll. Las fotos del disco fueron tomadas por Anton Corbijn (fotógrafo de básicamente toda la carrera de U2 y de origen holandés). El disco obtuvo categoría de platino a solo dos días de su lanzamiento. El disco elevo a U2 a la liga de artitas de gran calibre, junto con los Rolling Stones y The Beatles. En 1988, U2 gano muchos premios, incluyendo el álbum del Año de la revista “Rolling Stone” y el Grammy de mejor álbum. La gira de “The Joshua Tree” puso a U2 a actuar en estadios mundiales al igual que varias arenas (coliseos bajo techo). La gira termino el 20 de diciembre de 1987 en el Estadio de Sun Devil, en Tempe, Arizona, Estados Unidos. Partes de este concierto fueron inmortalizadas en la película/documental “Rattle and Hum”, la cual fue dirigida por Phil Joanou.

La película fue una idea de su manejador, Paul McGuinness. El pensó era el momento de mostrar la evolución de la banda en el escenario. Aunque Paramount Pictures contribuyo con algunos gastos, los miembros de U2 y McGuinness usaron su propio dinero para garantizar el control artístico. “Rattle and Hum” fue un documental de la gira de “The Joshua Tree” en Estados Unidos. Una celebración de la música de Elvis Presley, Bob Dylan, Jimi Hendrix y B.B. King. Luego de toda la euforia que precedió el lanzamiento de la película, muchos críticos lo vieron como U2 tratando de compararse con esos héroes del rock n roll. La película se estreno el 27 de octubre de 1988 en el Cinema Savoy de Dublín, Irlanda.

En 1989, U2 hizo una gira llamada “Lovetown Tour”. La misma se llevo a cabo dos años de finalizada la gira de “The Joshua Tree”. Porque la banda estaría actuando en varios locales, por mas de un día en alguno de ellos, y como muchos fanáticos habían comprado boletos para mas de un concierto, U2 tenia preparada una selección de 35 canciones de donde escoger. La gira incluyo a artistas como B. B. King. también será recordada por la actuación el 31 de diciembre de 1989, desde el teatro Point Depot en Dublín, por un discurso que hizo Bono que comenzó rumores de que la banda ya se acabaría. Bono dijo : “Bueno ahora tenemos que irnos para volver a soñarlo todo otra vez.”

Por misteriosos caminos

Al comienzo de los 1990s, U2 sí lo soñó todo nuevamente y se reinventaron con su nuevo disco “Acthung, Baby” (“acthung” es la palabra alemana para “atención”). La mayoría del disco fue grabado en los Estudios Hansa en la ciudad de Berlín, Alemania, para la época cuando el Muro de Berlín fue derrumbado. Una vez mas Brian Eno y Daniel Lanois fueron los productores. Las sesiones continuaron hasta la tarde en el 1991 en varios estudios en Dublín, incluyendo “Dog Town”, “STS” y “Windmill Lane”. El disco fue lanzado en noviembre de 1991. Se baso en la ruptura en la relación de Edge y su primera esposa y sin duda fue una nueva dirección musical para la banda. Las canciones fueron gradualmente evolucionando durante la gira de “Zoo TV”. “Acthung, Baby” se coloco en la posición numero uno en los Estados Unidos, gracias a su primer sencillo “The Fly”. La gira comenzó el 29 de febrero de 1992 en el Civic Center en el estado de Florida, Estados Unidos. Como ese concierto fue el primero en cinco años, el interés de los fans y de la prensa era elevado y se cubrió mucho en la prensa. La ironía de todo fue que la banda, al tratar de no tomarse muy en serio, luego de lo ocurrido con la película “Rattle and Hum”, la atención continuo sobre la banda y la gira se convirtió en una de “mass media” y de gran éxito. La gira vio a Bono convertirse en varios personajes: “Mr. MacPhisto” (un artista de rock ya viejo y en zapatos de plataforma, ropa dorado y cuernitos de diablo), “The Fly” (un misterioso personaje, vestido en cuero negro, con grandes gafas negras, queriéndose pasar por Elvis Presley), y el “Mirrorball Man” (una parodia a los evangelistas/ religiosos que aparecen en la TV).

Mientras todavía estaban en la gira “Zoo TV”, U2 lanzo otro disco llamado “Zooropa”. Originalmente se iba a lanzar como un EP (álbum de pocas canciones). Pero U2 logro grabarlo mientras la gira continuaba. La banda hacia un concierto y luego volaban a Dublín para continuar grabando. El disco finalmente se lanzo el 5 de julio de 1993 entrando en la posición numero uno de todas las listas de los países que fue lanzado. La banda nunca tuvo tiempo de practicar estas nuevas canciones y no fue hasta el concierto del 7 de julio que tocaron una canción del disco en Roma, Italia. La canción fue “Numb”, una interpretación de “The Edge”. Ya para la ultima fecha, 10 de diciembre, de esa parte final de la gira “Zoo TV”, en Tokio, Japón, habían tocado la mayoría de las canciones del disco menos “Some Days Are Better Than Others” y “The Wanderer” (un tributo a Johnny Cash, el cual el Sr. Cash canta).

“Zooropa” gano el Grammy del “Best Alternative Record”. Así que aunque fue grabado a un paso acelerado, el disco mostró que U2 todavía era capaz de producir buena música bajo un alto nivel de presión.

El color en su máximo esplendor

Para su próximo disco y gira, U2 pasaría por una de sus épocas mas experimentales de toda su carrera musical. Gran parte de su disco numero nueve, “Pop”, fue grabado en los Estudios de South Beach, Miami, Florida, Estados Unidos. Fue lanzado en marzo de 1997 y se caracterizo por una producción mas grande que incluía música bailable, “tape loops”, programación, “sampling” lo que trajo varias acusaciones de que U2 ahora era un grupo de “techno”. Su primer sencillo, “Discotheque” indico una clara diferencia en dirección, pero el álbum en su totalidad no reflejaba la música “disco”. Canciones como “Staring at the Sun” y “Wake up dead man” mostraron que la banda estaba abierta a nuevas formas musicales. Muchos fans no se convencieron de este álbum experimental, las ventas no fueron tan altas como los otros pero aun así vendió mas de 8 millones de copias. El álbum “Pop” fue presentado por primera vez el 20 de febrero de 1997, en el show de radio de Dave Fanning, en la emisora 2FM de Dublín. Entro a las listas de Inglaterra, Estados Unidos y otras partes del mundo, en la posición numero uno. La gira “Popmart Tour” se anuncio en una conferencia de prensa en la tienda “K-Mart” localizada en el East Village de Manhattan, Nueva York, el 12 de febrero de 1997. Un episodio de "Los Simpsons" fue hecho en honor a U2 y a la gira "Popmart",

La gira fue de 18 meses y opero a una escala mayor que la gira anterior de “Zoo TV”. Incluyo la pantalla de video mas grande del mundo, un Limón cubierto de espejos amarillos que se movía para transportar a la banda y que media 40 pies de alto, y varios estilos de ropa usada por la banda (camisas que imitaban músculos, sombreros de vaqueros, boas, mascaras para la cara, uniformes militares, y trajes de burbujas azules).

La gira “Popmart” fue galardonada por el libro Guinness de los récords mundiales por tener la pantalla de video mas grande y por haber tenido la audiencia mas grande para una gira hasta ese momento ya que asistieron mas de 2.9 millones de fans a la totalidad de 93 conciertos. Mirando hacia atrás, la gira trato de sobrepasar los excesos de la gira “Zoo TV”, con mayor énfasis en el aspecto visual del show y no tanto en la música. Como resultado de esa observación, en su próxima gira, “Elevation Tour”, la banda regreso a locales mas pequeños y utilizaron menos efectos visuales. Para la nueva gira, seria solo la banda, sus instrumentos, la música y el publico

La fórmula simple del Rock

A principios del 1999, U2 volvió a sus Estudios Hanover Quay en Dublin (ver fotos de mi viaje a Irlanda, deje allí un mensaje para la banda) para comenzar la creación de su próximo gran disco. Prometieron entre ellos que si este álbum no era exitoso, seria su ultimo (a veces un poco de presión ayuda para motivar y hacer las cosas con excelencia). “All that you can’t leave behind” fue lanzado el 31 de octubre del 2000 (el cumpleaños numero 38 de Larry) con criticas muy positivas. Debuto en la posición numero uno en mas de 34 países. Fue grabado en varios estudios en Dublín, pero mayormente en el Hanover Quay y en la casa de Bono al sur de Francia. La meta era volver a lo básico, a la formula básica del rock, sus colores primarios : “voz, guitarra, bajo y batería/tambores”. Según Bono, lo que encendería la chispa en esta ocasión seria estar ellos cuatro en un cuarto, tocando música juntos sin efectos especiales. Edge lo llamo un “album muy simple”. El titulo del álbum (todo lo que no puedes dejar atrás) fue sacado de la letra de la canción “Walk On”. Otras canciones incluidas en este disco lo fueron “Beautiful Day”, “Elevation”, “Kite” y “Stuck in a moment, you can’t get out of”. Una vez mas las fotos del disco fueron tomadas por el fotógrafo Anton Corbijn en el aeropuerto de Charles De Gaulle en Paris, Francia. La revista “Rolling Stone” llamo a “All That You Can’t leave behind” como la tercera obra maestra de U2, siendo las otras dos “The Joshua Tree” y “Acthung Baby”. En febrero de 2002, U2 gano cuatro Grammy’s: “best álbum”, “record of the year”, “best pop performance by duo or group”, y “best rock performance”. Que bueno que no tuvieron que cumplir su promesa de que si el disco no era exitoso dejarían de grabarlos. ¡Hay U2 para rato!

La gira “Elevation” comenzó el 24 de marzo de 2001 en el National Car Rental Center en la ciudad de Ft. Lauderdale, Florida, Estados Unidos. Distinto a sus giras anteriores, esta gira fue una en locales mas pequeños (arenas/coliseos, bajo techo) y no los estadios al aire libre en donde U2 tocaría sus canciones para entre 10-20 mil personas cada noche. A los diez días de finalizada la segunda parte de la gira, ocurrieron los ataques del 9-11 en la ciudad de Nueva York. La tercera parte de la gira quedo en suspenso. Muchos fans alrededor del mundo pensaron que la gira seria cancelada, ya que muchas personas temían viajar en avión. Pero, para alegría de muchos, el único cambio que hubo fue en la fecha de venta de los boletos, que fue atrasada una semana para el 22 de septiembre. Todos los conciertos de vendieron en su totalidad, demostrándole a la banda, que sus fans si querían verlos. La gira vendió mas de 2 millones de boletos para 113 conciertos y tuvo ganancias de mas de ($US)160 millones. De todos los conciertos de la gira “Elevation”, los que ocurrieron en las afueras del Castillo Slane cerca de Dublín (donde habían grabado parte del disco ‘The Unforgettable Fire’) fueron de los mas impresionantes. Uno de estos conciertos quedo inmortalizado en DVD. El que se grabo, fue el segundo donde la banda tomo el escenario, y en especial Bono, a solo un día de la muerte de su padre Bob. El concierto es muy emotivo. En los dos días de concierto, U2 toco ante la presencia de mas de 120 mil fans.

El 3 de febrero de 2002, U2 fue el artista principal en el “Half Time Show” del SuperBowl XXXVI (campeonato del fútbol americano). El mismo se transmitía desde el Superdome en la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos (quien iba a decir que el Superdome luego serviría de refugio para los damnificados por el Huracan Katrina). U2 toco las siguientes canciones: “Beautiful Day”, “MLK” y “Where the streets have no name”. En esta ultima, en una pantalla de tela gigante, detrás del escenario, se presentaron todos los nombres de las victimas del 9-11, incluyendo policías, bomberos, los que iban en los aviones y los que estaban en las torres. Un momento muy emocionante--ya que en un punto la pantalla de tela cae al piso, simbolizando la caída de las torres. El Super Bowl lo ven millones de personas, y U2 quería hacer un impacto como es de costumbre. Pero el momento mas memorable de esa noche fue cuando Bono, haciendo un gesto patriótico y de unidad con los Estados Unidos, revelo que el interior de su chaqueta de cuero tenia bordada la bandera de Estados Unidos, la reacción del publico, como ninguna. ¡Bravo U2!

Vértigo de masas

En noviembre de 2004, U2 lanzo su disco “How to Dismantle an Atomic Bomb”. El titulo surge por los conflictos de Bono y su padre Bob, quien es la bomba atómica en discusión aquí. El primer sencillo “Vertigo” fue súper exitoso y fue usado en el comercial del iPOD de la compañia APPLE. La compañía también lanzo una edición especial de su iPOD “U2 Special Edition” que es negro con la rueda de control roja y las firmas de la banda se encuentran gravadas en la parte de atrás. Antes del lanzamiento del disco, la banda hizo varias presentaciones en radio y TV en Estados Unidos e Inglaterra. Las mas notables: en el área de parqueo de la BBC en Londres y bajo el Puente de Brooklyn en la ciudad de Nueva York (existe un documental sobre ese día -- la banda anuncio a las 3pm de ese mismo día se estarían presentando libre de costos y hasta recorrieron las calles de Nueva York grabando su mas reciente video comercial “All Because of You”. No cabe duda que U2 todavía es relevante en la industria de la música mundial, tienen muchos seguidores y todavía son dueños del puesto de mejor banda del mundo.

La primera parte de la gira “Vertigo” comenzó el 28 de marzo de 2005 en San Diego, California, Estados Unidos. La fecha inicial había sido pospuesta por la enfermedad de una de las hijas de The Edge, Sian, ya que se rumora que sufre de leucemia. Hubo gran disgusto de varios fanáticos que se suscribieron al sitio oficial de U2, www.U2.com, para obtener una mejor oportunidad de conseguir boletos, pero lo que ocurrió fue una crisis ya que los llamados “scalpers” compraron los mejores asientos de forma rápida. Luego los revenderían a precios altísimos, causando que Larry se disculpara en publico el día de los Grammys, edición 2005, durante el discurso de aceptación por haber ganado el premio por la mejor canción “Vertigo”. Ya para la venta de la segunda parte de la gira, la mayoría de los problemas se corrigieron, para alegría de muchos fans.

En febrero de 2005, U2 fue incluido en la lista de artistas del “Rock n Roll Hall of Fame” en Cleaveland, Ohio, Estados Unidos. Ya tenían el requisito indispensable de haber tenido una carrera de 25 años. El discurso de inclusión fue hecho por Bruce Springsteen, muy gracioso, y “The Boss” luego se unió a la banda para hacer una excelente actuación de la canción “I still haven’t found what I am looking for”.

La gira “Vertigo” ha tenido ganancias de mas de 155 millones, sin incluir la venta de mercancía como camisetas, afiches, programas del la gira, gorras etc... AUN FALTAN DIEZ FECHAS. La gira “Vertigo” fue galardonada con el premio de la mejor gira por la revista “Billboard”. “How to dismantle an atomic Bomb” ha sido uno de los discos de U2 que mas copias ha vendido e incluye cinco sencillos que han sido exitosos: “Vertigo”, “Al Because of You”, “Sometimes you can’t make it on your own”, “City of Blinding Lights” y “Original of the Species”. En su totalidad, el disco gano 8 Grammys (5 en el 2006 y 3 en el 2005)--elevando a 22 el total de Grammys ganados por la banda U2.

El 2 de julio de 2005, U2 tomo parte, y Bono fue uno de los organizadores, del concierto LIVE 8. Con su campaña ONE y su lema de “Make Poverty History”, se logro que los lideres de los países mas poderosos del mundo firmaran un acuerdo para aportar 50 billones de dólares ($US) para eliminar las deudas injustas contra los países del tercer mundo, en especifico los que están en Africa. Todo su trabajo y dedicación (reuniendose con políticos y lideres de varias áreas). Bono ha logrado ser nominado CUATRO veces para el Premio Nobel de la Paz.

El concierto del 2 de julio comenzó en el Hyde Park de Londres con U2 y Paul McCartney tocando la canción de los Beatles “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. La actuación luego se podía bajar en el iTUNES Store de APPLE y se convirtió en el “download” numero uno para ese momento. Tan pronto acabaron de tocar las 4 canciones que estaban en itinerario, U2 se marcho rápido para continuar con la gira “Vertigo” ya que ese mismo día tenían un concierto en Vienna.

Como ven, la historia de U2 esta llena de altas y bajas, pero de que son guerreros musicales, de eso nadie puede dudar. Nunca dejan de sorprender a sus fans y nunca son aburridos. Con U2 lo incierto siempre es una señal de que las cosas van bien en U2--nunca defraudan. Luego de 25 años de carrera es increíble lo extenso de su catalogo musical--existe una canción para cada emoción posible. Gracias a U2 por compartir sus canciones con nosotros. También por compartir sus vidas----Bono, Larry y “The Edge” son padres de familia y esposos que deben balancear unas giras extensas con compartir con sus familias. Al momento de escribir esta historia, la cuarta parte de la gira “Vertigo” ha sido pospuesta hasta noviembre de 2006. El rumor otra vez, la enfermedad de la hija de “The Edge”. Pero los fans no estamos molestos, “The Edge” ha estado año y medio alejado de su hija, es tiempo para detener la gira. Los miembros de la banda U2 son una familia, y trabajan como una familia. Cuando alguien en la familia esta pasando tiempos difíciles, su bienestar va por encima de todo. Y los fans y la banda tienen una relación tan especial que aquellos que no son fans quizás no lo entienden. U2 es magia, esperemos que la magia continúe por unos años mas.

Con el lanzamiento del nuevo álbum de U2, No Line On The Horizon, se abre una nueva etapa para todos.

Discografía

Álbumes

Boy Álbum Singles	October Álbum Singles	War Álbum Singles

Under A Blood Red Sky Álbum Singles	The Unforgettable Fire Álbum Singles	Wide Awake in America Álbum Singles

The Joshua Tree Álbum Singles	Rattle And Hum Álbum Singles	Achtung Baby Álbum Singles

Zooropa Álbum Singles	Pop Álbum Singles	All That You Can't Leave Behind Álbum Singles

How To Dismantle An Atomic Bomb Álbum Singles	No Line On The Horizon Álbum Singles

Recopilatorios

The Best Of 1980-1990	The Best Of 1990-2000	U218 Singles

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DISCOGRAFIA
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The Flaming Lips - Discografia

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The Flaming Lips se formó en Norman, Oklahoma en 1983 con el hermano de Wayne Coyne en voz principal y Michael Ivins en bajo. La banda debutó en un bar de la ciudad de Oklahoma llamado Blue Note Lounge. Después de haber probado con diferentes bateristas, Richard English se unió en 1984. Ese mismo año hicieron su primer grabación, que llevó como título el nombre de la banda.

Luego de que su hermano dejó la banda, Wayne se convirtió en el cantante del grupo y grabaron su primer larga duración, llamado Hear It Is, lanzado por el sello Pink Dust Records (de Enigma Records) en 1986. Con esta formación graban dos discos más, Oh My Gawd!!! en 1987 y Telepathic Surgery, el cual originalmente iba a ser un collage de sonidos de treinta minutos.

Nathan Roberts reemplazó a Richard English y Jonathan Donahue (también miembro de la banda de rock alternativo Mercury Rev) se les unió en 1989. In a Priest Driven Ambulance , su primer álbum con el productor Dave Fridman fue grabado en la State University of New York a cinco dólares la hora con un presupuesto total de diez mil dólares. El disco marcó un nuevo camino en el sonido de la banda, tomando mayor importancia los experimentos con cintas y una mayor presencia de efectos. Durante este período Wayne Coyne cambió su estilo vocal por uno mas agudo, similar al de Neil Young, que habia usado anteriormente en Telephatic Surgery , y que desde ahora mantendría en todos los discos.

En 1990 el sello discográfico de Warner Bros se interesó por la banda, que se apresuró a firmar un contrato exactamente después de que un representante de la discográfica viese un show donde casi incendian una avenida con pirotecnia.

1. "With You" – 3:39
2. "Unplugged" – 2:14
3. "Trains, Brains & Rain" – 3:39
4. "Jesus Shootin' Heroin" – 7:21
5. "Just Like Before" – 3:22
6. "She Is Death" – 4:04
7. "Charlie Manson Blues" – 4:22
8. "Man from Pakistan" – 3:59
9. "Godzilla Flick" – 4:05

1. "Everything's Explodin'" – 4:44
2. "One Million Billionth of a Millisecond on a Sunday Morning" – 9:21
3. "Maximum Dream for Evil Knievel" – 2:50
4. "Can't Exist" – 2:48
5. "Ode to C.C. (Part 1)" – 0:46
6. "The Ceiling Is Bendin'" – 3:45
7. "Prescription: Love" – 6:10
8. "Thanks to You" – 3:56
9. "Can't Stop the Spring" – 4:11
10. "Ode to C.C. (Part 2)" – 1:50
11. "Love Yer Brain" – 7:43

1. "Drug Machine in Heaven" – 2:12
2. "Right Now" – 3:57
3. "Michael, Time to Wake Up" – 0:29
4. "Chrome Plated Suicide" – 5:41
5. "Hari-Krishna Stomp Wagon (Fuck Led Zeppelin)" – 3:45
6. "Miracle on 42nd Street" – 2:48
7. "U.F.O. Story" – 6:41
8. "Redneck School of Technology" – 2:56
9. "Shaved Gorilla" – 2:58
10. "The Spontaneous Combustion of John" – 0:53
11. "The Last Drop of Morning Dew" – 1:58
12. "Begs and Achin'" – 4:24

1. "Shine On Sweet Jesus: Jesus Song No. 5" – 4:27
2. "Unconsciously Screamin'" – 3:52
3. "Rainin' Babies" – 4:28
4. "Take Meta Mars" – 3:13
5. "Five Stop Mother Superior Rain" – 6:19
6. "Stand in Line" – 4:42
7. "God Walks Among Us Now: Jesus Song No. 6" – 4:46
8. "There You Are: Jesus Song No. 7" – 4:32
9. "Mountain Side" – 6:36
10. "What a Wonderful World" – 3:44

1. "Talkin' 'Bout the Smiling Deathporn Immortality Blues (Everyone Wants to Live Forever)" – 3:49
2. "Hit Me Like You Did the First Time" – 3:41
3. "The Sun" – 3:31
4. "Felt Good to Burn" – 3:21
5. "Gingerale Afternoon (The Astrology of a Saturday)" – 3:45
6. "Halloween on the Barbary Coast" – 5:42
7. "The Magician vs. the Headache" – 3:12
8. "You Have to Be Joking (Autopsy of the Devil's Brain)" – 3:55
9. "Frogs" – 4:28
10. "Hold Your Head" – 4:24
11. Untitled – 29:16

1. "Turn It On" – 4:39
2. "Pilot Can at the Queer of God" – 4:16
3. "Oh, My Pregnant Head (Labia in the Sunlight)" – 4:06
4. "She Don't Use Jelly" – 3:40 Loudspeaker icon Sample
5. "Chewin the Apple of Your Eye" – 3:52
6. "Superhumans" – 3:13
7. "Be My Head" – 3:15
8. "Moth in the Incubator" – 4:12
9. "Plastic Jesus" (A cover of the song "Plastic Jesus" from the Paul Newman film Cool Hand Luke. The title is obscured on the back of the album.) – 2:18
10. "When Yer Twenty Two" – 3:34
11. "Slow Nerve Action" – 5:55

Side 1

1. "The Abandoned Hospital Ship" – 3:38
2. "Psychiatric Explorations of the Fetus with Needles" – 3:27
3. "Placebo Headwound" – 3:40
4. "This Here Giraffe" – 3:46
5. "Brainville" – 3:13
6. "Guy Who Got a Headache and Accidentally Saves the World" – 4:29

Side 2

1. "When You Smile" – 3:13
2. "Kim's Watermelon Gun" – 3:21
3. "They Punctured My Yolk" – 4:21
4. "Lightning Strikes the Postman" – 2:50
5. "Christmas at the Zoo" – 3:06
6. "Evil Will Prevail" – 3:45
7. "Bad Days" (Aurally Excited Version, Mix) – 4:38

1. "Okay I'll Admit That I Really Don't Understand" – 2:51
2. "Riding to Work in the Year 2025 (Your Invisible Now)" – 7:03
3. "Thirty-Five Thousand Feet of Despair" – 4:59
4. "A Machine in India" – 10:23
5. "The Train Runs over the Camel but Is Derailed by the Gnat" – 6:14
6. "How Will We Know? (Futuristic Crashendos)" – 2:23
7. "March of the Rotten Vegetables" – 6:28
8. "The Big Ol' Bug Is the New Baby Now" – 5:05

1. "Race for the Prize" – 4:18
2. "A Spoonful Weighs a Ton" – 3:32
3. "The Spark That Bled" – 5:55
4. "Slow Motion" – 3:49
5. "What Is the Light?" – 4:05
6. "The Observer" – 4:11
7. "Waitin' for a Superman" – 4:17
8. "Suddenly Everything Has Changed" – 3:54
9. "The Gash" – 4:02
10. "Feeling Yourself Disintegrate" – 5:23
11. "Sleeping on the Roof" – 3:33
12. "The Spiderbite Song" – 4:10
13. "Buggin'" – 3:24

1. "Fight Test" – 4:14
2. "One More Robot/Sympathy 3000-21" – 4:59
3. "Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 1" – 4:45

4. "Yoshimi Battles the Pink Robots, Pt. 2" – 2:57
5. "In the Morning of the Magicians" – 6:18
6. "Ego Tripping at the Gates of Hell" – 4:34
7. "Are You a Hypnotist??" – 4:44
8. "It's Summertime" (Throbbing Orange Pallbearers) – 4:20
9. "Do You Realize??" – 3:32
10. "All We Have Is Now" – 3:53
11. "Approaching Pavonis Mons by Balloon (Utopia Planitia)" – 3:09

1. "Yeah Yeah Yeah Song" – 4:51
2. "Free Radicals" – 3:39
3. "The Sound of Failure / It's Dark... Is It Always this Dark??" – 7:18
4. "My Cosmic Autumn Rebellion" – 4:48
5. "Vein of Stars" – 4:15
6. "The Wizard Turns On... The Giant Silver Flashlight and Puts on His Werewolf Moccasins" – 3:41
7. "It Overtakes Me/The Stars Are So Big... I Am So Small... Do I Stand a Chance?" – 6:50
8. "Mr. Ambulance Driver" – 4:21
9. "Haven't Got a Clue" – 3:23
10. "The W.A.N.D." – 3:44
11. "Pompeii am Götterdämmerung" – 4:22
12. "Goin' On" – 3:39

1. Convinced of the Hex
2. The Sparrow Looks Up at the Machine
3. Evil
4. Aquarius Sabotage
5. See the Leaves
6. If
7. Gemini Syringes
8. Your Bats
9. Powerless
10. The Ego’s Last Stand
11. I Can Be a Frog
12. Sagittarius Silver Announcement
13. Worm Mountain
14. Scorpio Sword
15. The Impulse
16. Silver Trembling Hands
17. Virgo Self-Esteem Broadcast
18. Watching the Planets

Los mejores debuts del siglo XXI

The Postal Service – Give Up (2003)

Give Up no ofrece nada nuevo, salvo un barniz de clicks & cuts a canciones de tecnopop sentimental. Pero ahí es donde está su magia, en que el sentimentalismo les funciona incluso cuando se ponen cursis (’Nothing Better‘). Por si fuera poco, ahí está una de las mejores canciones de la década, la siempre apasionante ‘Such Great Heights‘.

Animal Collective – Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished (2000)

Aunque Danse Manatée sea ya su pareja inseparable después de la reedición conjunta, Spirit, They’re gone… es estrictamente el primer disco de Animal Collective. Y mucho antes de que se permitieran el lujo de ser accesibles, la fórmula de Animal Collective ya estaba bañada de ácido, de electrónica casera, de bucles y chispas, de música para ponerle la banda sonora a cuando miras fijamente al sol y luego vuelves la cabeza para ver el mundo de otra manera.

Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2003)

Aunque la promesa de su debut no se haya mejorado con sus dos siguientes entregas y su éxito sea el responsable de que algunos grupos bastante mediocres hayan sido sobre-publicitados, lo cierto es que nada puede enturbiar las deliciosas canciones del primer asalto de Franz Ferdinand.

Música para bailar (especialmente si no sabes bailar) y estribillos de los que se pegan aunque su intención no parezca esa. Post-punk aferrado a la vertiente menos oscura, a esa alegría de saber que ya estamos en el nuevo milenio y que el mundo no se había acabado. Franz Ferdinand encendieron un fuego que dejó de estar bajo control y que no hizo arder ninguna ciudad, pero sí puso patas arribas las pistas de baile indie.

Yeah Yeah Yeahs – Fever to Tell (2003)

Se acabó el siglo XX y, de repente, Nueva York volvió a ser el sitio del que salían las mejores bandas. De la ciudad salían grupos a patadas y lo mejor: casi todos llevaban buenas canciones bajo el brazo. Había tantas interconexiones entre ellos que era fácil perderse, pero llegados a los discos, había quien despuntaba y quien bajaba el pistón tras un par de singles afortunados.

Los Yeah Yeah Yeahs fueron, con Fever To Tell, uno de los grupos que llevaba el acelerador pisado a tope y lo tenían todo. Rock hecho hits (‘Maps’, ‘Y Control’), agresividad cool (las guitarras de Nick Zinner no sonaban planas en ningún momento), una vocalista con carisma (Karen O, a la vez garagera, bailable, amable y sensual) e imagen. Lo tenían todo y aunque sus siguientes pasos sí que han sido más titubeantes, en Fever To Tell todo parece tan sencillo que quedarse enganchado a él también lo es.

The Ponys – Laced With Romance (2004)

En 2004 y en un género al que cualquier defensor de la evolución como único medio de alcanzar la excelencia musical quiere dar carpetazo ya mismo, The Ponys debutaron con un chutazo de rock’n‘roll, post-punk, psicodelia nugget y energía, mucha energía. Canciones desafiantes con las que asilvestrarse un buen rato.

Oceansize – Efflorescence (2003)

Los tentáculos del universo post-rock se han extendido a lo largo de los años con multitud de sonidos tan diferentes, que muchas veces encontramos grupos que chirrían al ser puesto simultáneamente en dicho saco.

Uno de esas bandas que consiguen ser al mismo tiempo diferentes y similares al resto son Oceansize, quienes desde Manchester nos trajeron un disco muy ambicioso, donde influencias tan dispares como las progresiones de Pink Floyd y la rudeza de Jane’s Addicion (de una de sus canciones toman prestado el nombre, ligeramente modificado) dan lugar a una de las bandas más interesantes que la década ha conocido.

Dark Captain Light Captain – Miracle Kicker (2008)

Pass: http://www.atravesdelpuente.blogspot.com/

Lejos de abusar de la pomposidad de los instrumentales recargados, Dark Captain Light Captain se sumergen en la idea entre guitarras folk que llevan la voz cantante en prácticamente todos los cortes, piano ligero sin estridencias ni acordes rimbombantes, y sobre todo, dos voces que, a pesar del tono alto en el que se defienden, lejos de resultar dañinas, dotan a la composición general de un aire etéreo perfecto para ambientar cualquier situación.

The Avalanches – Since I Left You (2000)

Pass: ultimovicio

A pesar de sus vaivenes y de que uno podría imaginarse que vendría algo grande, The Avalanches querían hacer un disco extremadamente ambicioso, una joya del género, un pequeño rincón que despierta al más estático y que demostró que aún era posible recurrir a la escena electrónica mundial sin perder un ápice de modernidad.

Battles – Mirrored (2007)

Warp Records no suele equivocarse en sus fichajes y cuando en 2006 puso el ojo en la banda estadounidense Battles uno podía imaginarse que vendría algo grande al cabo de un tiempo. Ese debut fue Mirrored, una joya del llamado Math Rock que tuvo en los 90 su explosión y que en la década siguiente encontró en este álbum la joya del género.
Canciones instrumentales donde las guitarras juegan entre sí en busca de riffs marcianos, ritmos que a la vez poseen un estilo tribal y moderno, y voces marcianas usadas como un instrumento más. Todo sin someterse a la fórmula tan estirada del género, construyendo la suya propia.

Gnarls Barkley – St. Elsewhere (2006)

La escuela Motown y las clases de P-Funk impartidas por el maestro George Clinton están muy presentes en las bases del marciano Danger Mouse, que consigue dejar la pista libre para que Cee-Lo aporte un hilo de voz a la altura de James Brown o Al Green. Después llegarían ‘Gone Daddy Gone‘ con el gusto por el riff del Rock y ‘Smiley Faces‘ en la estela del primero. Adicción negra que despierta al más estático.

Justice – † (2007)

Daft Punk lo hicieron en 1997 y Justice 11 años más tarde. Con un álbum de debut apenas promocionado y con poco renombre antes de su publicación, Gaspard Augé y Xavier de Rosnay (los responsables de Justice) ponían a Francia de nuevo en la escena electrónica mundial. † fue el desencadenante de una explosión necesaria dentro de la electrónica mainstream.

OSI – Office of Strategic Influence (2003)

Durante su etapa en Dream Theater, y después en solitario, Kevin Moore ya había mostrado por qué merecía ser considerado como uno de los nombres más significativos del metal progresivo. Que decidiera unirse a otro grande como Jim Matheos, y encima fichar a Mike Portnoy para que tocara la batería en un nuevo proyecto musical, sólo podía acabar de la mejor forma posible, en un debut como Office of Strategic Influence.
Es éste un disco extremadamente ambicioso, donde lo clásico y lo vanguardista se dan de la mano de forma sobresaliente.

Mando Diao – Bring’ em In (2002)

El cambio de siglo demostró que aún era posible recurrir al garage rock, al soul y rhythm and blues de los sesenta sin perder un ápice de modernidad. Desde Suecia con muchísima energía y cierto aire nostálgico Mando Diao consiguieron conquistar el corazoncito de muchos, más allá de fronteras geográficas y modas.
Pasarán más de mil años, décadas y siglos pero siempre habrá alguien encargado de transmitir el sentimiento del rock clásico a los más jóvenes hablándoles su mismo idioma. Un gran debut para iniciarse en el rock.

CocoRosie – La Maison de mon rêve (2004)

El nombre de CocoRosie sale de los apodos que de pequeñas tenían las hermanas Casady, Sierra y Bianca, que ya de mayores, y tras años separadas, formaron este proyecto en pequeña casa parisina. Su debut fue La maison de mon rêve, un disco totalmente lo-fi, grabado y mezclado en su hogar.
CocoRosie patentaron ahí ese sonido frágil, como de cajita de música freak, forjado a base de instrumentos acústicos y un pelín de electrónica, además de toques naïf como ruidos de cafeteras, cacerolas, sirenas, máquinas de escribir o la lluvia de la calle. Ese universo lo cimentan gracias a unas voces de procedencia blues la de una y de diva jazz la de la otra. El conjunto es tremendamente bello y personal, dejándonos temas arrebatadores como “Candyland”, en el que la economía de medios es increíble: arpa, voz y ruido de muñecos.

Fischerspooner – ‘#1’ (2001)

Todo un disco de culto dentro del electroclash. Desde la ardiente escena neoyorquina de esta década surgen Warren Fischer y Casey Spooner para ambientar el mundo del arte y la moda de estos últimos años. ¿Una nueva Factory? Su filosofía es la misma: transgresión, drogas, ambigüedad sexual y ruptura con todo lo establecido, por lo tanto tampoco es tan innovador como nos lo pintan pero sigue funcionando.
Potentes beats, acompañados de todo tipo de vocoders y efectos de sonido a un ritmo frenético en un intento de adelantarse al futuro para estar a la última. Admirados u odiados, una experiencia única sin dejar de caminar en ningún momento por el lado salvaje. Un álbum debut que aún no han conseguido superar pero que contiene temas como ‘Sweetness‘ que irremediablemente debería sonar de fondo si nos propusiéramos repasar estos últimos diez años en imágenes.

Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C (2001)

A pesar de sus vaivenes estilísticos, los cuales les han llevado de la brillantez al sopor en numerosas ocasiones, el trío californiano se marcó con su primer esfuerzo un verdadero hito para el rock garajero.
Serio y grisaceo como su portada, B.R.M.C. viene cargado de canciones que suenan a clásico desde la primera escucha, con un sonido capaz de tributar al mismo tiempo a la Velvet, Led Zeppelin y The Jesus & Mary Chain.

Maxïmo Park – A Certain Trigger (2005)

Llegaron, vieron el panorama y se apuntaron a la revitalización del rock británico con canciones que se contorsionaban sobre sí mismas, que tenían a un letrista/vocalista inteligente (de los mejores de su generación) y que en directo se defendía con mayor solvencia que la de sus compañeros.
Fueron casi los últimos en llegar. O más bien, fueron los penúltimos antes de que la cosa degenerara (los últimos enormes fueron los luego desacertados Art Brut). Pero con A Certain Trigger no hay demasiadas pegas que poner: corto, intenso, inteligente, con personalidad a pesar de las influencias y con canciones que querían ser recordadas. Y que, aún hoy, se lo merecen.

M.I.A. – Arular (2005)

Junto con Kanye West y Dizzee Rascal, M.I.A. ha sido de los nombres más interesantes que han surgido de la escena Hip-Hop, sólo que da la casualidad de que lo suyo no es Hip-Hop puro sino lo que ha venido a denominarse Grime y que ha tenido en la escena inglesa su hervidero más interesante (el Dubstep ha aportado mucho a esa revolución hablada). Arular la presentó a todo el mundo como la hija de un guerrillero revolucionario de Sri Lanka de origen tamil y el conflicto social pobló todas sus letras (’10 Dollar‘), bien mezclado con la lucha de egos de este género (’Bucky Done Gone‘) y el hit directo (’Hombre‘). Rebeldía e inconformismo con grandes bases.

Interpol – Turn on the Bright Lights (2002)

Eternamente atados a su comparación con Joy Division, el debut de Interpol cuenta con calidad suficiente para librarse de tales cadenas. Canciones inspiradísimas, mucho menos oscuras de lo que se le presume a la etiqueta post-punk, y que catapultaron al cuarteto neoyorquino directos a la fama.
Con sus siguientes trabajos entrarían en una espiral de pérdida de frescura, la cual no ha conseguido en ningún caso empañar el buen hacer demostrado en este Turn on the Bright Lights.

Doves – Lost Souls (2000)

La épica es algo muy británico. Suya es gran parte de culpa de que los mecheros se encendiesen en los conciertos. Pero Doves, que nacieron para la generación de las cámaras digitales, saben perfectamente que, pese a lo mal visto que está eso de ser expansivos, monumentales, grandiosos y (un pelín) exagerados siempre se pueden hacer muy buenas canciones con semejantes ingredientes.
Así que sin miedo, su debut consistió en seguir la tradición de Echo & The Bunnymen y The Verve, desde una perspectiva más nocturna y también más concreta. Junto al debut de Coldplay fueron los imprescindibles si e esa época querías regodearte en tus propias (y pequeñas) heridas desde el lado de la melancolía (no desde el de la depresión).

Fever Ray – Fever Ray (2009)

Oscuro, solemne y perfecto. Así es el debut en solitario de Karin Elisabeth Dreijer, mitad creativa de The Knife y que ahora afronta una nueva etapa paralela bajo el alias de Fever Ray dejando de lado el Ambient House de atmósferas siderales para buscar la angustia, la soledad y la riqueza bajo una economía de medios que hace que las canciones aparezcan desnudas, la voz de la cantante sueca cobre aún más fuerza y las letras se carguen de toda la intensidad imaginable.
Los diez temas que componen el álbum son auténticas joyas. Pulidas como ‘Seven’ y ‘When I Grow Up’ o crudas como ‘If I Had A Heart’, ‘Triangle Walks’ y ‘I’m Not Done’. Todo sin olvidar la influencia del House anterior en: ‘Now’s The Only Time I Know’ y ‘Coconut’. Es un álbum que hiela la sangre.

God is An Astronaut – The End of The Beginning (2002)

Los hermanos Kinsella consiguieron que su nombre quedara grabado en la historia del rock experimental con un primer trabajo que, a pesar de su evidente condición independiente y artesanal (lo editaron, como el resto, en su propio sello discográfico), logró una notable aceptación entre públicos mayoritarios.
Una gran propuesta de post-rock instrumental, de ese que se centra en las texturas y en la complejidad de la música, pero sin llegar al nivel de onanismo musical que alcanzan otros grupos similares.

Ryan Adams- Heartbreaker (2000)

Antes de perder la cabeza y convertirse en una fallida estrella del rock (fallida en lo de masiva, porque características chungas las tenía todas), a Ryan Adams le rompieron el corazón. Y lejos de su primer grupo, Whiskeytown, pero sin abandonar del todo ese roots-rock que les hizo especiales, Adams se vistió de niño prodigio para su debut en solitario.
Heartbreaker es un disco difícil de olvidar, donde la voz rota, las letras que ponen un nudo en la garganta y el sonido Americana se unen para dar otro refugio a quienes estén (o hayan estado alguna vez) con el corazón destrozado. Romántico hasta la médula.

Audioslave – Audioslave (2002)

La ruptura de Rage Against the Machine fue una de las peores noticias musicales con las que pudimos empezar la década (años después se reunirían, pero eso es harina de otro costal). En realidad, el cisma se produjo con la salida del vocalista Zack de la Rocha, así que los tres miembros restantes decidieron fichar al por entonces respetado Chris Cornell para una nueva etapa musical, bajo un nuevo nombre.
Una ruptura estilística con su pasado que decepcionó a muchos, pero cuya calidad está fuera de toda duda si conseguimos no pensar en el grupo que les dio la fama.

Death from Above 1979 – You’re a Woman, I’m a Machine (2004)

Como miembros de ese club formado por grupos que sólo publicaron un LP en su carrera, la pareja de bajo y batería Death from Above 1979 merece un lugar de excepción.

Una mezcla de punk sucio y electrónica bailonga que funciona a las mil maravillas, con temas que van directos al grano y que enamoran dese la primera escucha. Lástima que su historia juntos durara tan poco.

Coldplay – Parachutes

Nadie puede poner en duda que Chris Martin y sus chicos han sabido ir paso a paso para conseguir convertirse en una de las bandas más importantes de este siglo, ganando muchos adeptos con su debut pero apostando a lo largo de los años por llegar aún a más gente.

Como consecuencia de ello, hay entre quienes alguna vez hemos disfrutado de Coldplay una inevitable ruptura que separa a los que preferíamos el intimismo del Parachutes y los que se desviven por las glorias de Viva la Vida… Como en aquel anuncio de una conocida marca de refrescos, podríamos decir: ¿Y tú de quién eres?

Bloc Party – Silent Alarm (2005)

En su momento, el debut de la banda londinense Bloc Party, Silent Alarm me atrajo por la buena predisposición que tenían a los hits pegadizos. Entre ellos, ‘She’s Hearing Voices‘ era mi favorito de todos por su vinculación con el Post-Punk que toda la generación de bandas al estilo Bloc Party compartían.

La oscuridad de dicho tema, junto con sus cambios de ritmo era de lo mejor del álbum, junto a algunos singles que promocionaron el debut (’Helicopter‘ y ‘Banquet‘). Pero hoy, cuatro años después, al escuchar de nuevo el álbum, el gancho que tenía en su día se ha perdido. El tiempo no le ha favorecido tanto aunque en su día supuso un notable éxito.

A Perfect Circle – Mer de Noms (2000)

Al comenzar el siglo, Maynard James Keenan ya había demostrado su maestría musical con Ænima, pero el de Ohio aún tenía mucho que decir, y para ello se alejó temporalmente de la sombra Tool y se embarcó junto a nombres del calibre de Josh Freese y Billy Howerdel en un proyecto musical de lujo.

A Perfect Circle es una apuesta por el rock preciosista y ambicioso, composiciones que aspiran a dar lo máximo, un trabajo imprescindible para quienes busquen algo más en el género.

Goldfrapp – Felt Mountain (2000)

Un silbido inicial y la niña bonita del Trip-Hop muestra a todos que se ha independizado por su cuenta. Alison Goldfrapp creció, musicalmente hablando, gracias a Tricky y a su aportación en el imprescindible Maxinquaye (1995, Island).

Cinco años más tarde y con toda la escena del Trip-Hop desintegrándose por culpa de nuevas bandas sin aportación alguna y las míticas sin estar en un buen momento (Massive Attack) o simplemente habiéndose separado (Portishead), Goldfrapp presenta un álbum cálido, intimista, lleno de matices, con una producción llevada a cabo entre ella misma y Will Gregory. Los guiños al sonido de Bristol y a Björk se mezclan con la búsqueda de las atmósferas.

Turisas – Battle Metal (2004)

Aunque se formaron en 1997, Turisas no publicaron su primer larga duración hasta 2004, un disco cuyo título bautizó su estilo musical, también etiquetado como folk-metal sinfónico. Porque su nombre rememora al de un antiguo dios de la guerra vikingo, cuyas leyendas, aventuras y desventuras son narradas con minuciosa descripción en sus canciones.

Es decir, letras cantadas con voz gutural e instrumentos ajenos al metal como violines, trompetas, cellos, flautas, acordeones y coros sinfónicos, todo con un tono épico y a la vez festivo. En Battle metal nos encontramos con un batiburrillo de viking metal, black metal, folclore patrio y un toque de power y symphonic metal como poco atractivo desde la primera escucha.

Soledad Brothers – Soledad Brothers, (2000)

parte 1
parte 2

Este trío los formaron en 1998 en Ohio dos ex Henry and June, Johnny Walker y ben Swank. Tras dos singles notables, Jack White les produjo su debut de título homónimo para para Estrus Records.

Su sorprendente debut mostraba una proteica combinación de guitarras y percusiones que parecían tocados por el mismo demonio que la crítica, por cierto machacó. Herederos del garaje sixtie y del blues del delta, Soledad Brothers aunaban psicodelia guitarrera a lo The Seeds con añejo R&B.

Burial – Burial (2006)

Junto con su continuación, Untrue (2007, Hyperdub Records), Burial consiguió abrir una nueva vía dentro de la electrónica actual (la misma que muchos dicen estar muerta).

El Dubstep comenzaba a escucharse en todo el mundo de la mano de unos pocos avanzados (Kode9, entre ellos) que revisaban una vez más el arte del Dub bajo los parámetros del Jungle y del Garage inglés. Burial, por su parte, incorporaba a esa fórmula el deseo sexual que en los 60 y 70 estaba asociado al Soul y al Funk, convirtiendo al Dubstep en su sustituto actual.

Los Campesinos! – Hold on Now, Youngster…(2008)

Eres joven, no tienes tiempo para deprimirte (aunque lo hagas a veces), vives, sales de juerga, vas a festivales de música, te enamoras, rompes (o que te rompen), te enganchas de nuevo a ese disco, lo escuchas una y otra vez hasta que te sabes de memoria cada letra (y eso que no sabes inglés), cada cambio (y tú de música, nada).
Te planteas la muerte (la ves cerca, pero sabes que aún queda mucho), haces listas con tus buenos propósitos, odias a los adultos (pero te gustaría tener su autonomía), el mundo te da para atrás, te gustaría cambiarlo porque es una mierda (pero te da pereza hacerlo tu solo), montas un grupo absurdo en Facebook (y la gente se une), estás eufórico-estás trite, eres un lector acelerado (en diagonal), vives en una montaña rusa. Hold on now, youngster!.

LCD Soundsystem – LCD Soundsystem (2005)

Tras mucho trabajo en la sombra, James Murphy, después de deslumbrar en 2002 con ‘Losing My Edge’ fue lanzando en grandes rodajas negras de 12” singles que harían que LCD Soundsystem llegasen a ser adorados antes de tener ningún álbum a la venta. Todo lo que había por parte de uno de los genios de DFA Records eran singles.

En 2005 ya llegó la ocasión de lanzar los nuevos temas en formato álbum, que supuso el mejor momento del Dance-Punk de toda la década. Un doble trabajo con el primer CD para los nuevos singles (’Daft Punk Is Playing At My House‘ abría y entre medias aparecían ‘On Repeat‘ o ‘Disco Infiltrator‘, cerrando con ‘Great Release‘); y en el segundo CD los singles ya comentados, entre los que ‘Give It Up‘ suponía otra muestra en la renovación del sonido asentado en el Funk.

The Good, The Bad & The Queen – The Good, The Bad & The Queen (2007)

Culos inquietos en el mundo de la música hemos visto muchos, pero pocos han habido como el de Damon Albarn, que no ha dudado nunca en hacer bueno eso de “divide y vencerás” con tal de poder dar salida a sus múltiples ambiciones artísticas. Una de esas divisiones es este interesante proyecto donde, junto al célebre bajista Paul Simonon y al reputado batería Tony Allen, consiguió parir un álbum de rock alternativo diferente, personal y muy agradecido de escuchar.

Bon Iver – for Emma, Forever Ago (2007)

El de Bon Iver es otro de os grandes ejemplos de cómo el boca a boca puede hacer grande a un disco de apariencia pequeña y que, en su lanzamiento, pasa desapercibido para el radar de la mayoría de los críticos. Justin Vernon lanzó en 2007 su proyecto en solitarios, recogiendo parte de la belleza folk de Sparklehorse y preñándola de un toque de suave optimismo.

For Emma, Forever Ago es el fruto de 4 meses de aislamiento en una cabaña de Winsconsin, pero no suena ni desesperado ni cortavenas, sólo hermoso, ajustado, melancólico y, en última instancia, enorme. Que algunos fuésemos llegando tarde, pero después de haber sido convenientemente evangelizados por una legión creciente de enamorados, es el mejor elogio que se le puede decir a (casi) cualquier disco.

The xx – xx (2009)

Una de las revelaciones de este año se nos ha colado entre los mejores debuts de la década para sorpresa de todos los que hemos realizado esta lista. Es lo que sucede con estos cuatro adolescentes londinenses, te acaban seduciendo por mucho que te opongas.

Sin querer, acabas espiándoles en medio de la oscuridad, aguantando sus silencios, su ritmo pausado y arreglos mínimos porque con cada uno de ellos son capaces de transmitir bastante más que la mayor de las orquestas. Susurrando tímidamente desvelamos que Burial, The Cure o Young Marble Giants son parte de su secreto, que misteriosamente se muestran calculadores y adultos y que ellos también se han visto sorprendidos por la fama, hasta tal punto que uno de sus integrantes ya ha tirado la toalla. Puede que no nos los volvamos a encontrar, que todo se quede aquí, lo cual no hará mas que justificar esta plaza para su debut de nota.

Elvis Perkins – Ash Wednesday (2007)

Antes de iniciar el que parece será su proyecto definitivo con la coletilla In Dearland, Elvis Perkins se marcó un primer disco en solitario que consiguió tocarnos la fibra a muchos.

Inevitablemente condicionado con los trágicos sucesos familiares que marcaron la época en que lo escribió, el disco es triste y melancólico en sus cimientos, pero rodeado de una considerable capa de esperanza en su conjunto. Canciones muy personales que sirvieron como carta de presentación para un músico que tendrá mucho que decir durante los próximos años.

Mono – Under The Pipal Treee (2001)

Mono es una banda casi desconocida fuera de los ambientes cercanos al post-rock y su álbum de debut es también un disco al que hay que acudir si se quiere trazar el itinerario musical del grupo japonés. Que lo hubieran editado en el sello Tzadik, auspiciado por John Zorn, en cuyo estudio lo grabaron, no hizo más que frenar un poco su difusión fuera de esos círculos.

Aquí, esta formación, recuperó dos temas de su debut, el EP Hey, y seis nuevos temas. Recomendado para fans de Mogwai, Godspeed You! Black Emperor que gusten también del minimalismo y la psicodelia.

Vampire Weekend – Vampire Weekend (2008)

Lo sorprendente de Vampire Weekend es la consistencia que siguen demostrando las, aparentemente, frágiles canciones de su debut. Precedidos por unas cuantas canciones previas magníficas, este grupo de universitarios pijos (pijísimos) decidió darse una vuelta por África para traerse bajo el brazo muchos minutos de música de la que escucharemos con un cóctel en la mano cuando seamos millonarios y viejunos pero aún nos queramos sentir jóvenes y despreocupados.

Al menos, ésa es mi intención de futuro. La de Vampire Weekend no sé si será revisitar este disco lleno de Orange Juice, de Graceland, de una manera diferente de ver el indie estadounidense. Sólo por ser capaces de lavarle la cara a un “estilo” que se acostumbra demasiado a dar vueltas sobre sí mismo, por abrir las ventanas en un paraíso con tendencia a la endogamia, ya merecería la pena. Pero, vamos, que además hay cancionacas, hombre.

The Strokes – Is This It? (2001)

El momento justo, el lugar ideal y la formación perfecta. The Strokes lo tenían todo. Comenzaba una nueva década y había que buscar un nuevo sonido con el que intentar renovar la escena del Rock. Estaban en Nueva York, la capital necesitada de nuevos hypes a los que explotar como antaño y con una búsqueda por ese nuevo grupo que conquistase el mundo. Y Julian Casablancas ejercía de vocalista y letrista.

La tradición cruda de la ciudad (Television, The Velvet Underground y Ramones) estaba en sus guitarras, sucias y con riffs pegadizos y después llegarían los éxitos en forma de singles: ‘Hard To Explain’, ‘Last Nite’ y ‘Someday’, entre otros. Sin ellos no podría entenderse esta década ni tampoco la escena independiente.

The Streets – Original Pirate Material

¿En serio hay algo mejor que hacer que pasarte los días jugando a la consola y esperando que llegue la hora de irse a pillar unas cervezas, salir de juerga, tratar de ligar y, si puedes, irte a su casa?

Mike Skinner, un tirado con muchos vicios, realizó en su debut uno de los mejores retratos de parte de la juventud actual, mientras se fumaba porros y se echaba unas partidas al FIFA. Así es como se hizo uno de los discos más sorprendentes de la década, donde toda la tradición inglesa de la sátira se daba la mano con las lecciones del hip-hop. Lástima que luego madurara y se le fuera olvidando lo que es estar joven, aburrido y con ganas de pillar (lo que sea).

The Last Shadow Puppets – The Age of the Understatement (2008)

Cuando el cantante de Arctic Monkeys se lanza en paralelo a una andadura con el ex de The Rascals, lo primero que puedes esperar es una nueva proposición de rock acelerado. Nada más lejos de la realidad.

Cargados de una orquestación sublime y un estilo de elegancia innegable, The Last Shadow Puppets crearon un trabajo que gana con cada escucha en detalle e intimidad, una atmósfera de película de los años sesenta llena de glamour canalla y una acústica melodramática tan logradas que es imposible sacarlos de la estantería de indispensables.

The Unicorns – Who Will cut Our Hair When We Are Gone (2003)

El pop te lo puedes tomar a broma o no. Y aunque te lo tomes a broma te puede dar buenos resultados o no. They Might Be Giants son un gran ejemplo de cómo un grupo puede hacer canciones con las que te puedes reír, pero de las que no te puedes reír.

The Unicorns son seguidores de esa tradición de pop cómico: hacen canciones con las que te pones de muy buen humor, teñidas de una psicodelia juguetona y de andar por casa, pero nunca caen en la broma facilona. Aunque después partieron peras y se transformaron en algo mucho más normal pese a querer ser más ambiciosos(Islands), este dúo de canadienses ya tenían su huella bien marcada en la intrahistoria del pop indie.

Micah P. Hinson – Micah P. Hinson And The Gospel Of Progress (2004)

Micah P. Hinson And The Gospel Of Progress fue el debut de un joven norteamericano que venía del profundo sur y cuya biografía, si es verdad todo lo que se contó de él, daría para una buena película.

Micah P. Hinson, cantautor del profundo sur que elevó con su voz de cincuentón fumador a la enésima potencia el término americana, bebiendo de la tradición del country alternativo y el folk. Guitarra acústica en ristre acompañada por slide, cuerdas o teclados construyen un cancionero muy sobrio, emocionante y excelso.

Doce cortes que que publicó con sólo 23 años y que sorprendentemente grabó en Manchester con The Earlies. Micah P. Hinson se convertía en el heredero más cualificado de Gram Parsons y un nombre que colocar en ese altar en el que ya estaban Bonnie Prince Billy y Bill Callahan.

Pains of Being Pure at Heart (2009)

Ser puro del corazón trae problemas variados, al final resulta mucho mejor dejarse llevar, ponerse la coraza y aplicar una ligera capa de cinismo. En la música también: es más fácil defenderte de cualquier acusación si te tomas a ti mismo medio en broma, medio en serio.

Y luego está el método de los Pains of Lolailo: canciones enormes, aunque tengan más deudas con los 90 que Madoff con sus antiguos clientes. ‘Young Adult Friction‘ o ‘A Teenager in Love‘ reviven, precisamente, la pasión de cuando eres puro del corazón y aún no te han dado tantos golpes, morales o físicos, que realmente crees que aún puedes conquista el mundo (y el corazón de ESA chica).

The Mars Volta – De-Loused in the Comatorium (2003)

At the Drive-In quedarán para la historia como uno de los grupos más grandes del post-hardcore, pero Omar Rodriguez-Lopez y Cedric Bixler-Zavala dieron por agotada esa etapa a principios de la década, decidiendo que era hora de dar nuevos rumbos a su virtuosismo.

Producto de ello, y previo paso por De Facto, la pareja decidió instaurarse definitivamente como The Mars Volta, debutando con su álbum más accesible. Con el paso de los años, ambos han mostrado en numerosas ocasiones su desagrado con este trabajo, asegurando que en cierta medida se vieron forzados a redondear sus bordes para hacerlo más digerible, pero digan lo que digan se trata de un excelente inicio para una impagable era de rock progresivo llevado al límite.

Wolfmother – Wolfmother (2005)

Sorprendiendo a propios y extraños desde las antípodas, Wolfmother consiguieron poner su primer álbum en la órbita de los grandes debuts de la historia del rock tirando de fórmulas sobradamente conocidas.

Un disco de sabor tan puramente setentero que costaba aceptar que se hubiera editado en este siglo, cargado de temazos con gran personalidad de principio a fin, y a través del cual el trío dejó clara su devoción por Black Sabbath, Led Zeppelin y compañía.

The Arcade Fire – Funeral (2004)

El de The Arcade Fire merece ser considerado como el mejor debut de la década sí o sí. Un disco de tal riqueza y belleza, que sin duda alguna superará la prueba del tiempo y ocupará el lugar que se merece entre los mejores álbumes de la historia. Su continuación, Neon Bible, no hizo más que confirmar que Funeral no fue un espejismo.
Una de las cimas del Pop de la década. Muerte cantada en clave de orquesta barroca. Tristeza para ser coreada. Emoción sin límites. Y todo con la capacidad para lograr singles pegadizos de alta calidad. Una maniobra digna de los mejores.

Whatever People Say That I am, That's What I'm Not

lanzado el 23 de enero de 2006 bajo Domino Records y grabado en Chapel Studios, Lincolnshire. Antes del primer tour de la banda alrededor del mundo, se convirtió en el álbum más vendido en toda la historia de Reino Unido, vendiendo más de 360,000 copias en la primera semana de lanzamiento, pero perdió el título en noviembre de 2007, al ser alcanzado y superado por el álbum de Leona Lewis, Spirit. El álbum es 3x Platino en Reino Unido, y ganó el Mercury Prize de 2006.

El álbum incluye ambas canciones del EP debut de la banda, Five Minutes with Arctic Monkeys, así como los dos primeros sencillos de la banda los cuales quedaron en #1 en Reino Unido, "I Bet You Look Good on the Dancefloor" y "When the Sun Goes Down".

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